« 125, rue des Malaises » : quand le cinéma québécois cesse de jouer pour commencer à vivre

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Le cinéma québécois a souvent exploré la famille comme un champ de bataille. Des Invasions barbares à C.R.A.Z.Y., en passant par Mommy ou Gaz Bar Blues, il revient sans cesse à cette vérité universelle : ce sont les êtres que nous aimons le plus qui nous connaissent le moins. Avec 125, rue des Malaises, Louis Bélanger ne cherche pourtant pas à réinventer ce territoire. Il choisit plutôt d'y retirer l'artifice. Le résultat est un film d'une authenticité si désarmante qu'il donne parfois l'impression de surprendre la caméra elle-même.

La prémisse pourrait laisser croire à un drame sur l'aide médicale à mourir. Laurent Perrier (Rémy Girard) convoque sa famille dans sa maison de campagne pour annoncer une décision irrévocable. Il ne veut plus continuer. Pas parce qu'il souffre d'une maladie terminale, mais parce qu'il estime avoir atteint le terme de son parcours. À partir de cette déclaration naît une succession de révélations, de conflits, de maladresses, d'humour involontaire et de tendresse qui transforme progressivement ce qui semblait être un film sur la mort en une profonde réflexion sur la liberté, la famille et le besoin humain de contrôler l'incontrôlable.

Ce qui frappe d'abord, c'est la langue. Enfin, des Québécois qui parlent comme des Québécois. Pas un français aseptisé destiné à rassurer un marché international. Pas un joual exagéré transformé en folklore. Les personnages respirent dans leur langue naturelle. Les hésitations, les répétitions, les silences, les interruptions, les demi-phrases composent une musique qu'aucun scénariste ne pourrait fabriquer avec autant de précision.

Puis vient la révélation. Les dialogues ont été largement construits à partir d'improvisations des comédiens. Cette information bouleverse entièrement la perception du film. On comprend soudain pourquoi chaque échange semble découvert plutôt qu'écrit. Pourquoi personne ne paraît attendre son tour pour parler. Pourquoi les regards racontent souvent davantage que les mots eux-mêmes.

Louis Bélanger a pris un risque immense : abandonner une partie du contrôle pour laisser surgir la vérité des acteurs. C'est précisément dans cet abandon que le film trouve sa plus grande force.

Rémy Girard livre probablement l'une des performances les plus dépouillées de sa carrière. Il ne cherche jamais à susciter la compassion. Son Laurent n'est ni héroïque ni martyr. C'est un homme fatigué d'habiter sa propre existence. Girard joue avec une économie de moyens remarquable. Une légère hésitation avant une phrase. Un regard perdu vers la fenêtre. Une respiration plus longue que les autres. Dans ses yeux passe toute une vie que le scénario refuse heureusement d'expliquer.

Geneviève Schmidt lui offre une réplique bouleversante. Son personnage oscille constamment entre la colère, l'incompréhension et un amour qu'elle refuse d'abandonner. Pier-Luc Funk apporte une fragilité inattendue qui évite toute caricature générationnelle, tandis que Claude Legault et Guylaine Tremblay insufflent cette humanité maladroite qui caractérise les grandes familles : celles qui s'aiment énormément sans jamais savoir comment se le dire.

On comprend pourquoi Denise Robert évoquait Les Invasions barbares comme point de départ intellectuel du projet. La comparaison est inévitable, mais 125, rue des Malaises refuse d'en devenir une simple variation. Là où Denys Arcand réfléchissait à la fin d'une génération, Louis Bélanger s'intéresse davantage au droit individuel de choisir sa sortie — et surtout au désordre émotionnel que cette décision provoque chez ceux qui restent.

Le film pose alors une question infiniment plus complexe que le simple débat sur l'aide médicale à mourir. À qui appartient une vie ? À celui qui la vit ? Ou à ceux qui devront continuer sans elle ?

Il est impossible pour plusieurs spectateurs québécois de recevoir cette interrogation comme une simple fiction. Depuis quelques années, l'aide médicale à mourir fait désormais partie de notre réalité collective. Pour certains, elle demeure un débat politique. Pour d'autres, elle porte un visage, une voix, un membre de leur famille.

C'est précisément là que 125, rue des Malaises trouve une puissance inattendue.

Sans jamais transformer son sujet en manifeste idéologique, le film accepte d'habiter cette zone inconfortable où aucune réponse n'est entièrement satisfaisante.

Visuellement, le directeur de la photographie Jérôme Sabourin signe un travail d'une grande délicatesse. Sa caméra ne cherche jamais à embellir artificiellement les personnages. Elle préfère contempler le monde vivant qui les entoure : les oiseaux, les insectes, les chiens qui traversent le cadre, les arbres agités par le vent, les reflets de l'eau, les plantes qui continuent de pousser avec une indifférence magnifique aux drames humains. La nature n'est pas ici un décor. Elle devient un contrepoint philosophique. Pendant que les humains débattent du moment où une vie devrait se terminer, le reste du vivant poursuit silencieusement son cycle.

Cette présence constante du monde naturel donne au film une respiration rare. Les silences deviennent aussi importants que les dialogues. Les paysages semblent écouter les personnages autant que le spectateur.

Louis Bélanger comprend quelque chose que beaucoup de réalisateurs oublient : un film n'est jamais uniquement constitué de ce qui est dit. Il est aussi composé de tout ce qui demeure suspendu. La mise en scène adopte cette même retenue. Aucun mouvement de caméra démonstratif. Aucun montage cherchant à manipuler les émotions. Claude Palardy laisse les scènes respirer suffisamment longtemps pour que l'inconfort, puis la vérité, puissent apparaître.

Ce refus du spectaculaire explique peut-être pourquoi le film surprend autant. À une époque où tant de productions confondent intensité émotionnelle et volume sonore, 125, rue des Malaises choisit la discrétion. Et cette discrétion devient bouleversante.

Denise Robert, Louis Bélanger, Rémy Girard, Geneviève Schmidt, Pier-Luc Funk et Claude Legault le 13 juillet 2026. Photo © Lena Ghio 2026

Il serait facile de qualifier le film de comédie dramatique, comme l'indique sa promotion. Ce serait pourtant réducteur. Il s'agit davantage d'une comédie humaine, au sens le plus noble du terme : un récit où le rire surgit précisément parce que les êtres humains demeurent incapables d'être cohérents devant leurs propres sentiments. On rit parce que les personnages parlent de succession en préparant le café. On rit parce que personne ne sait quoi dire. On rit parce que le malaise ressemble tellement à la vie. Puis, sans prévenir, on cesse de rire.

Ce passage imperceptible entre le comique et le tragique constitue probablement la plus belle réussite du film.

125, rue des Malaises ne prétend pas résoudre le débat sur le droit de mourir. Il fait quelque chose de beaucoup plus rare : il redonne un visage humain à une conversation devenue trop souvent abstraite. Dans un paysage cinématographique où les scénarios cherchent fréquemment à convaincre, Louis Bélanger choisit simplement de regarder. De laisser vivre ses personnages. De faire confiance à ses acteurs. De croire que l'authenticité possède encore une puissance dramatique supérieure à tous les artifices.

Et il avait raison.

Parce qu'au terme de ces 94 minutes, ce dont on se souvient n'est pas l'intrigue, ni même les rebondissements. Ce sont ces regards. Ces silences. Cette langue enfin libérée. Cette impression troublante d'avoir passé une soirée avec une famille qui pourrait être la nôtre.

C'est peut-être cela, finalement, le plus beau compliment que l'on puisse adresser à un film : pendant un moment, il ne ressemble plus à du cinéma. Il ressemble à la vie.

LENA GHIO   

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The Odyssey Review: Christopher Nolan Charts the Distance Between Myth and Memory

TRAILER

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There are filmmakers who build worlds, and there are filmmakers who redefine the language audiences use to describe cinema itself. For more than two decades, Christopher Nolan has belonged firmly to the latter. With The Odyssey, his long-awaited adaptation of Homer's foundational epic, he approaches mythology not as fantasy but as history worn thin by centuries of retelling—weathered, brutal, and startlingly human.

Rather than pursuing the polished romanticism that has traditionally shaped cinematic visions of Greek legend, Nolan roots the impossible in the physical world. Gods, monsters, and miracles never feel manufactured for spectacle; they emerge as natural extensions of an ancient reality governed by forces beyond human understanding. The result is a monumental achievement—an epic that understands spectacle is most powerful when it feels inevitable rather than excessive. This is, without question, one of the defining cinematic achievements of the year.

From its opening moments, The Odyssey establishes a remarkable equilibrium between realism and myth. The film never asks the audience to abandon disbelief so much as quietly expand its boundaries. The supernatural is introduced with such confidence that it becomes inseparable from the world itself.

The Cyclops sequence exemplifies this philosophy. The visual effects are extraordinary, but technical accomplishment is only part of the achievement. The creature possesses an unsettling individuality; its face conveys intelligence, loneliness, rage, and instinct in equal measure. The encounter plays less like a conventional monster battle than a collision between civilizations separated by entirely different understandings of existence.

Circe's, Samantha Morton, magic is equally remarkable for its restraint. Rather than overwhelming the audience with visual excess, Nolan presents her enchantments with an eerie simplicity that makes their consequences all the more disturbing. Every supernatural event feels rooted in an ancient worldview where the divine exists just beyond ordinary perception.

Water has long fascinated Nolan—from the beaches of Dunkirk to the frozen tides of Interstellar—but never has he photographed the sea with such awe. Storms rise like living cathedrals. Whirlpools become existential voids rather than visual effects showcases. Even moments of calm carry the quiet threat of violence waiting beyond the horizon. The ocean is not merely the setting. It is the film's true antagonist—vast, indifferent, and endlessly patient, reducing even history's greatest hero to another fragile soul struggling against nature.

The action sequences are the finest Nolan has ever directed.

For years, critics have praised his conceptual ambition while questioning the clarity of his large-scale action. Those criticisms simply do not apply here. Every sword strike has weight without sacrificing geography. Every battle unfolds with remarkable precision. Violence is uncompromisingly brutal yet never gratuitous; it communicates exhaustion, desperation, and survival more often than triumph. When blood is spilled, it stains both armor and conscience.

The film takes its time finding momentum. Its opening act unfolds deliberately as Nolan establishes Ithaca's political landscape, introduces its fractured loyalties, and revisits the Trojan War through fractured memory. Yet once the narrative reaches the unforgettable encounter involving the flock of sheep—a sequence destined to become one of modern blockbuster cinema's defining set pieces—the film discovers an exhilarating confidence it never relinquishes.

What follows is nearly two hours of sustained cinematic momentum. Matt Damon delivers what may be the finest performance of his career. Initially, his casting felt unconventional. Odysseus has traditionally been imagined as a master strategist before a warrior, whereas Damon has often projected physical resolve more readily than cunning intellect. Yet that expectation ultimately becomes the performance's greatest strength. His Odysseus is neither saint nor legend. He is proud, calculating, stubborn, resourceful, and frequently wrong. He survives not because he is morally exceptional but because every impossible choice forces him to become the leader others require, whether he deserves that responsibility or not. Damon allows guilt to accumulate almost imperceptibly across the character's face. Every victory extracts a cost. Every decision leaves another invisible scar. By the final act, he appears less like a conquering hero than a man held together almost entirely by memory.

Anne Hathaway is equally magnificent as Penelope. Rather than portraying unwavering devotion, she reveals decades of restrained disappointment beneath regal composure. Her Penelope has survived politics disguised as courtship, preserving both kingdom and family through intelligence rather than force. Every glance suggests calculations hidden beneath impeccable dignity. Their eventual reunion resonates because it recognizes that love survives time without erasing its damage.

Robert Pattinson is exceptional as Antinous, avoiding theatrical villainy in favor of something quieter and infinitely more unsettling. His confidence conceals cowardice. His charm masks manipulation. Pattinson understands that the most dangerous men rarely see themselves as villains.

Among the supporting cast, Himesh Patel emerges as the film's quiet revelation. His Eurylochus radiates skepticism, frustration, and deeply human vulnerability, transforming what could have been a secondary companion into one of the narrative's emotional anchors.

Tom Holland takes longer to settle into Telemachus. His earliest scenes occasionally lack confidence, whether by design or performance, but he grows steadily stronger as the character evolves from uncertain son into worthy heir. By the conclusion, his emotional sincerity becomes indispensable.

Zendaya's Athena is perhaps the film's greatest missed opportunity. Her commanding screen presence is undeniable, yet the screenplay grants her surprisingly little dramatic complexity. She functions more as symbolic guidance than fully realized character, leaving the lingering impression that the film's philosophical dimensions might have deepened with greater attention to the gods themselves.

The film is not without flaws.

Nolan's long-discussed approach to dialogue mixing resurfaces. Several exchanges become frustratingly difficult to decipher beneath Hans Zimmer's thunderous score and the immersive sound design. The issue is less distracting than it was in Tenet, but it remains noticeable during exposition-heavy passages.

The editing occasionally introduces unnecessary confusion as well. Certain transitions—particularly involving Sinon's, Elliot Page, deception, Antinous', Pattison, political ascent, and portions of the Trojan campaign—feel compressed despite their narrative importance. Nolan's fascination with fragmented chronology sometimes complicates ideas that would benefit from greater simplicity.

The screenplay also shifts unevenly between poetic grandeur and modern conversational rhythms. At its finest, the dialogue evokes timeless literature; elsewhere, isolated lines sound unexpectedly contemporary, creating brief tonal inconsistencies. Fortunately, these moments remain rare.

Visually, however, The Odyssey is nothing short of astonishing.

Every frame, photographed by Hoyte van Hoytema using IMAX cameras, possesses extraordinary depth and texture. Landscapes appear sculpted rather than photographed. Faces command astonishing intimacy despite the immense scale surrounding them. Nolan once again demonstrates that technological innovation serves cinema best when audiences eventually forget the technology entirely.

The IMAX presentation is not a marketing gimmick. It fundamentally transforms the experience. Impossible distances feel tangible. Architecture becomes overwhelming. Endless horizons inspire genuine awe. The format ceases to be an exhibition tool and instead becomes another storytelling instrument.

Yet beneath its extraordinary craftsmanship lies something unexpectedly intimate.

For all its monsters, gods, and legendary battles, The Odyssey is ultimately about the psychological cost of returning home. The man who leaves can never be the man who returns. Victory cannot erase absence. Time offers no negotiations. Nolan understands that Homer's enduring brilliance has never rested solely in adventure. It lies in longing. Odysseus spends years defeating impossible enemies only to discover that his greatest challenge awaits within the walls of his own home. That emotional truth elevates the film beyond spectacle.

The Odyssey is thrilling, intelligent, emotionally resonant, and visually breathtaking without ever sacrificing the grandeur expected of modern blockbuster filmmaking. It honors one of civilization's oldest stories while proving its relevance remains undiminished. Few filmmakers possess Nolan's ability to unite intellectual ambition with visceral entertainment, and fewer still could transform an ancient epic into something that feels this immediate.

This is not simply another adaptation of Homer. It is a reminder that the oldest stories endure because every generation finds itself reflected within them. Christopher Nolan has not merely retold The Odyssey. He has carried it across another sea.

LENA GHIO   

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FANTASIA FESTIVAL 2026 - July 16 - August 2 - ARE YOU READY?

Fantasia International Film Festival

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Few film festivals have shaped the landscape of contemporary genre cinema as profoundly as the Fantasia International Film Festival. Over the past three decades, the Montreal-based event has evolved from a passionate celebration of fantastic filmmaking into one of the world's most influential showcases for horror, science fiction, fantasy, animation, action, and boundary-pushing independent cinema. For filmmakers, Fantasia has become a coveted launchpad where careers are discovered and cult sensations are born; for audiences, it remains a rare destination where established masters and daring newcomers share equal footing. As the festival celebrates its landmark 30th edition from July 16 to August 2, 2026, it does so with a program that not only reflects the remarkable vitality of genre cinema today, but also reaffirms Fantasia's enduring role as one of its most adventurous and indispensable champions.

Spread across Montreal's Cinéma du Musée and Concordia University's J.A. de Sève Cinema and Hall Theatre, this anniversary edition brings together more than 125 feature films, over 200 short films, world, international, North American, and Canadian premieres, alongside an ambitious slate of master classes, industry conversations, retrospectives, and special events. The result is not simply a festival program, but an expansive portrait of contemporary fantastic cinema in all its diversity—one that embraces internationally acclaimed auteurs, emerging voices, experimental artists, commercial crowd-pleasers, and fearless independent filmmakers alike.

Her Private Hell

Appropriately for such a milestone, Fantasia opens with one of the year's most anticipated works. Nicolas Winding Refn returns with Her Private Hell, a hypnotic neo-noir that once again demonstrates the filmmaker's singular command of atmosphere, style, and psychological tension. Set within a dreamlike futuristic metropolis where identity, mortality, and memory become inseparable, the Canadian premiere reunites audiences with the provocative visual imagination that has defined Refn's career from Pusher and Drive to The Neon Demon and Copenhagen Cowboy. His presence at Fantasia extends beyond the screen, as the festival honors him with its prestigious Cheval Noir Career Achievement Award, recognizing a body of work that has consistently challenged cinematic convention while inspiring generations of filmmakers.

Closing the festival is another major event: the world premiere of Freaks Part II, the long-awaited return to the universe created by Canadian filmmakers Zach Lipovsky and Adam Stein. Following the cult success of Freaks and the global box office triumph of Final Destination: Bloodlines, the directing duo expands their ambitious science-fiction saga with a film that blends large-scale spectacle with intimate emotional storytelling. The premiere underscores Fantasia's long-standing commitment to championing homegrown talent whose work resonates on an international stage.

Throughout its history, Fantasia has excelled at bringing together legendary filmmakers and emerging discoveries, and its 30th edition is perhaps its strongest expression of that philosophy. Japanese horror icon Takashi Shimizu, whose Ju-on franchise permanently reshaped modern supernatural horror, receives the Cheval Noir Career Achievement Award while unveiling two new features: the world premiere of the folk-horror mystery Village of Eight Gravestones and the North American premiere of The Mouths. Independent animation visionary Don Hertzfeldt receives the 2026 Indie Maverick Award in recognition of a career that has transformed contemporary animation through deeply philosophical yet unmistakably personal works such as It's Such a Beautiful Day and World of Tomorrow. Canadian filmmaker Bruce McDonald, one of the defining voices of independent cinema in the country, is honored with the Canadian Trailblazer Award, celebrating more than four decades of fearless filmmaking.

SUNSPARK

The anniversary program also offers an exceptional collection of world premieres that reflects the festival's remarkable international reach. Montreal-based German filmmaker Wiebke von Carolsfeld presents Someone's Daughter, a morally complex revenge drama featuring powerful performances from Pascale Bussières and François Arnaud. Craig Mitchell revisits one of horror cinema's foundational myths in Los Vampires, inspired by the legendary production of the Spanish-language Dracula (1931). Masanao Kawajiri delivers the animated romance Cherry & Virgin, while Corrin Evans' uncompromising debut Corpus pushes contemporary horror into daring new territory. Returning Fantasia favorites the Adams family unveil The Glorious Dead, a deeply personal meditation on contemporary America through the language of genre, while New York comedy collective Simple Town debuts the gleefully absurd horror satire Big Break.

True to its reputation as one of the first major stops for international festival discoveries, Fantasia also presents an impressive selection of acclaimed titles arriving from Cannes, Berlin, Rotterdam, Sundance, SXSW, Tribeca, and beyond. Hanna Bergholm's Nightborn, Hideo Jôjô's Nameless, Minos Papas' unsettling folk horror Motherwitch, Dave Boyle's audience sensation Never After Dark, Gloria Mercer's Patricia Highsmith-inspired thriller A Safe Distance, Wregas Bhanuteja's supernatural sports drama Levitating, and Thunderlips' wildly inventive body-horror comedy Mum, I'm Alien Pregnant illustrate the extraordinary breadth of contemporary genre filmmaking currently emerging around the globe.

Among the festival's most eagerly anticipated events is the Canadian premiere of Jane Schoenbrun's Teenage Sex and Death at Camp Miasma. Fresh from its celebrated world premiere at Cannes, where it received the Queer Palm, the filmmaker will attend alongside actor Hannah Einbinder, while Louise Weard presents an exclusive extended preview from the ambitious Castration Movie Chapter III: Year of the Hyaena. Fellow rising filmmaker Alice Maio Mackay also joins the festival with the Canadian premiere of Our Effed Up World, further reinforcing Fantasia's commitment to showcasing bold new voices redefining contemporary genre storytelling.

Cape Fear.

Television likewise receives a prominent place in this year's program with the world premiere theatrical presentation of the concluding episode of Cape Fear. Reimagined by creator Nick Antosca and executive producers Martin Scorsese and Steven Spielberg, the series stars Javier Bardem, Amy Adams, and Patrick Wilson in a fresh interpretation of one of suspense cinema's most enduring narratives. Presenting the finale on the big screen before an audience of devoted genre enthusiasts perfectly encapsulates Fantasia's unique ability to blur the boundaries between cinematic and episodic storytelling.

Beyond its screenings, Fantasia continues to distinguish itself through an exceptional slate of conversations and live events that place artists directly in dialogue with audiences. Master classes with Robert Lepage and Louise Portal, career retrospectives featuring Bruce McDonald and Don Hertzfeldt, discussions with Jane Schoenbrun, Hannah Einbinder, Matt Johnson, Grace Glowicki, Alice Maio Mackay, and Louise Weard, as well as practical effects workshops, historical presentations, and anniversary celebrations, transform the festival into a dynamic forum for creative exchange rather than simply a venue for exhibition.

The beloved Fantasia Retro program once again underscores the festival's dedication to film history through meticulously restored classics, rare archival prints, and rediscoveries spanning multiple decades and continents. These screenings remind audiences that innovation rarely exists in isolation; today's groundbreaking filmmakers continue to build upon a rich cinematic tradition that Fantasia has long championed alongside its commitment to discovering tomorrow's visionaries.

Thirty years after its founding, Fantasia occupies a singular position within the international festival circuit. Neither constrained by commercial expectations nor limited by traditional definitions of genre, it has cultivated a global community united by curiosity, artistic risk-taking, and an enduring belief in cinema's power to surprise. In an era when film culture continues to evolve across formats, platforms, and audiences, Fantasia remains steadfast in its mission: to champion bold filmmaking wherever it emerges, to celebrate artists willing to challenge convention, and to remind audiences that the most exciting stories are often those that refuse to fit comfortably within familiar boundaries. Its 30th edition is not merely a celebration of an extraordinary past—it is a compelling declaration that the future of fantastic cinema has rarely looked more vibrant.

LENA GHIO   

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CETTE SEMAINE À MONTRÉAL • juillet 5 - juillet 7

Vincent Jutras (La Croustade), Stéphanie Duchesneau (Cirque Pointe-Sèche), Elyme Gilbert (Cirque Pointe-Sèche), Nadia Drouin (En Piste), Melissa Colello (Cirque Pointe-Sèche), Stephanie Friesinger (Cirque Pointe-Sèche), Honorine Youmbissi (CALQ) et Nathalie Maillé (CAM).

 

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Le cirque québécois célèbre ses créateurs sous les projecteurs du 5@Cirque

Dans l'effervescence de MONTRÉAL COMPLÈTEMENT CiRQUE, le 5@Cirque d'En Piste a une fois de plus offert un précieux moment de rassemblement au milieu circassien québécois. Le 5 juillet dernier, artistes, diffuseurs, partenaires et représentants des grandes institutions culturelles se sont réunis pour célébrer celles et ceux qui repoussent les frontières du cirque contemporain. Deux créations marquantes ont été couronnées lors de cette soirée : La Soirée de la Confiture – Édition Suc' à Crème Deluxe, de La Croustade, et Sortilège, du Cirque de la Pointe-Sèche.

Le prix Propulsion 2026, remis conjointement par En Piste et le Conseil des arts de Montréal (CAM), est allé à La Croustade, sous la direction artistique de Vincent Jutras, pour une œuvre qui fait éclater les conventions du spectacle circassien. Plus qu'une représentation, La Soirée de la Confiture est une expérience collective où improvisation, humour, prise de risque et liberté créative deviennent les moteurs de la rencontre entre les artistes et le public.

Présentée dans l'ancienne église Saint-Enfant-Jésus de Pointe-aux-Trembles, cette édition « Suc' à Crème Deluxe » transformait le lieu en vaste terrain de jeu. Le public déambulait d'un espace à l'autre, découvrant des numéros qui naissaient sous ses yeux : contorsionnistes évoluant entre des tréteaux, clowns guidés par les applaudissements des spectateurs, acrobates rivalisant d'ingéniosité ou jongleurs soumis au vote populaire. Une proposition joyeusement imprévisible qui a séduit le jury par son esprit rassembleur et son désir assumé de faire du cirque un espace de recherche, de dialogue et d'expérimentation.

Autre temps fort de la soirée, le Prix du CALQ – Meilleure œuvre circassienne a été attribué au Cirque de la Pointe-Sèche pour Sortilège, une création mise en scène par Mélissa Colello qui s'impose déjà comme une référence du cirque de création québécois.

Inspirée librement de Macbeth, l'œuvre prend vie dans un amphithéâtre naturel de Saint-Germain-de-Kamouraska, où une spectaculaire paroi rocheuse de près de 17 mètres devient un partenaire de jeu à part entière. Entre danse verticale, cadre coréen, balançoire russe, roue Cyr, corde lisse et impressionnantes séquences réalisées sur filet acrobatique, Sortilège compose un univers où la nature, la scénographie et les disciplines circassiennes fusionnent dans une fresque visuelle d'une grande puissance.

Le jury du CALQ a salué une œuvre immersive dont la richesse des images, la maîtrise technique et l'utilisation ingénieuse de l'environnement créent ce qu'il qualifie de « beau chaos », à la fois spectaculaire et profondément poétique. Présenté devant plus de 12 000 spectateurs lors de sa première saison, le spectacle confirme le rôle du Cirque de la Pointe-Sèche comme acteur incontournable du développement du cirque en région.

La remise des prix s'est déroulée en présence de Nathalie Maillé, directrice générale du CAM, d'Honorine Youmbissi, directrice du soutien aux artistes, aux communautés et à l'action régionale au CALQ, ainsi que de Nadia Drouin, directrice générale d'En Piste. Étaient également réunis Vincent Jutras, Stéphanie Duchesneau, Elyme Gilbert, Mélissa Colello et Stephanie Friesinger, tous artisans de cette vitalité artistique qui fait aujourd'hui rayonner le cirque québécois bien au-delà de ses frontières.

Au-delà des bourses et des distinctions, cette soirée a rappelé que le cirque contemporain est un formidable laboratoire de création. Entre l'audace ludique de La Croustade et la force évocatrice de Sortilège, le Québec démontre une fois de plus que son cirque est en constante évolution, porté par des artistes qui réinventent les formes, investissent des lieux inattendus et invitent le public à vivre des expériences aussi humaines que spectaculaires.

Au parc Jean-Drapeau, l'été prend un nouveau goût

Une buvette est un petit commerce ou comptoir où l'on sert principalement des boissons et des repas légers.

Chaque été, Montréal redécouvre le parc Jean-Drapeau sous un nouveau visage. Cette saison, c'est au cœur des Jardins des Floralies que bat désormais son pouls estival avec l'arrivée de la Buvette des Floralies, un espace gourmand et culturel qui transforme une simple halte en véritable expérience de destination.

Imaginée en collaboration avec Aire Commune et exploitée par Les Survenants, cette nouvelle adresse s'inscrit parfaitement dans l'évolution du parc, qui mise de plus en plus sur les rencontres, la gastronomie et les expériences en plein air. Dès les premiers rayons de soleil, la vaste terrasse de 200 places invite les visiteurs à ralentir le rythme, à lever leur verre et à savourer l'été dans un décor verdoyant.

Aux commandes de l'offre culinaire, le chef Francis Duval propose une carte pensée pour les beaux jours : tapas à partager, sandwiches gourmands, planches de charcuteries et de fromages, desserts et rafraîchissements composent un menu convivial qui célèbre les plaisirs simples. Pour ceux qui préfèrent prolonger leur escapade au cœur des jardins, des paniers pique-nique soigneusement préparés permettent de s'installer à l'ombre des impressionnantes Mosaïcultures ou en bordure des canaux de l'île Notre-Dame, où kayaks et pédalos offrent une autre façon d'explorer le site.

Mais la Buvette ne se limite pas à sa table. Tout au long de la saison, elle devient une scène ouverte où la culture s'invite chaque semaine. Les Beaux dimanches proposeront une programmation évolutive mêlant prestations musicales, ateliers créatifs et marchés d'artisans. L'objectif est clair : faire de ce nouvel espace un lieu vivant où l'on vient autant pour l'ambiance que pour le paysage.

Cette effervescence trouve un écho naturel dans les Jardins des Floralies, dont les œuvres horticoles monumentales continuent de séduire les visiteurs. Après avoir attiré plus de 600 000 personnes l'été dernier, les célèbres Mosaïcultures offrent toujours un parcours spectaculaire où l'art végétal devient prétexte à la contemplation et à la réflexion. Ici, chaque promenade se transforme en exposition à ciel ouvert.

L'été ne s'arrête toutefois pas aux Floralies. Plus loin, le mont Boullé dévoile lui aussi un visage renouvelé. Entièrement revitalisé, ce secteur nature invite à emprunter ses sentiers boisés, à traverser les passerelles qui surplombent les étangs de la Grande Poudrière ou à gravir les 157 marches de la Tour de Lévis. Au sommet, une vue panoramique sur le fleuve, le centre-ville et les montagnes de la Montérégie récompense largement l'effort, particulièrement au coucher du soleil grâce aux heures d'ouverture prolongées.

Les amateurs de détente trouveront également leur bonheur grâce aux nombreuses aires de pique-nique, aux espaces BBQ et aux nouveaux lieux de repos qui ponctuent le parcours. Quant aux soirées estivales, elles retrouveront un incontournable avec le retour du Cinéma flottant au Complexe aquatique, où les projections prennent une toute autre dimension au bord de l'eau.

La saison se prolongera enfin en septembre avec une nouvelle formule des Rendez-vous Gourmands. Réparti sur plusieurs fins de semaine thématiques, l'événement réunira des chefs de renom, dont Paul Toussaint et Yohann Van Den Berg, confirmant la volonté du parc de devenir une véritable vitrine de la créativité culinaire montréalaise.

Alors que Montréal souligne cette année le 50e anniversaire des Jeux olympiques de 1976, le parc Jean-Drapeau démontre qu'il sait conjuguer son riche héritage à une vision résolument contemporaine. Entre nature, gastronomie, culture et activités de plein air, il s'impose plus que jamais comme l'une des destinations incontournables de l'été montréalais.

INFOS

Photos © Lena Ghio, 2026

LENA GHIO   

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DÎNER en BLANC Montréal 28 août 2026

DÎNER en BLANC

Dîner en Blanc est de retour à Montréal le 28 août Les billets de la phase 3 sont en vente dès aujourd'hui à 15 h pour la 16e édition de l'événement le plus élégant de l'été

Montréal, jeudi 9 juillet 2026 — Le 28 août, à la tombée du jour, plus de 3 000 convives vêtus de blanc convergeront vers un lieu que nul ne connaîtra avant la dernière minute Cette édition du Dîner en Blanc permettra à nouveau de vivre une soiree où élégance, gastronomie, art de vivre et convivialité se cotoyeront chaleureusement. L'édition 2026 puise son inspiration dans une soirée parisienne de la Belle Époque : une atmosphère de fête parisienne du début du siècle dernier, où la musique et le spectacle circulent parmi les convives plutôt que de s'imposer depuis une scène unique. Les billets de la phase 3, réservés aux membres de la liste des fans, (pas encore membres) sont mis en vente aujourd'hui à 15 h. Les personnes qui souhaitent encore s’inscrire peuvent le faire via le site montreal.dinerenblanc.com. Les billets sont vendus par paire et attribués selon le principe du premier arrivé, premier servi. « Après avoir célébré en grand notre 15e anniversaire l'an dernier, nous sommes ravis de retrouver les Montréalaises et les Montréalais pour une 16e édition qui promet d'être tout aussi magique. Nous avons hâte d'accueillir des milliers de convives pour leur faire vivre une soirée inoubliable et continuer à faire rayonner Montréal à travers ce concept unique deja célébré dans plus de 120 villes à travers le monde », souligne Sandy Safi, présidente, Dîner en Blanc International.

La règle est connue : tout est blanc, des tenues jusqu'aux nappes. Ce ballet collectif, auquel chacun consent, produit l'image devenue signature de l'événement — un dîner surgi de nulle part au cœur de la ville, le temps d'une soirée. Le lieu, lui, demeure secret. Les invités se rassemblent à des points de départ désignés, avant d'être guidés vers le site par des bénévoles. Au terme de la soirée, ils repartent sans laisser de trace : l'endroit retrouve l'état exact dans lequel il a été trouvé. Chaque convive apporte sa table, ses chaises, une nappe, serviettes et des decorations de couleur blanches, ainsi qu'un panier gastronomique accompagné de verrerie et de vaisselle raffiné. Ceux qui préfèrent voyager léger peuvent choisir un point de départ où tables et chaises sont fournies, et réservez en ligne un panier traiteur.

Les femmes cheffes à l’honneur Cette année, nous avons décidé de mettre en lumière trois cheffes montréalaises : Magie Marier du Restaurant Ratafia, avec un parcours de plus de 15 années d'expérience et sa formation initiale en pâtisserie, elle propose une cuisine ancrée dans la saisonnalité et le terroir québécois, elle a également été Finaliste de la 14e saison des Chefs.  Maria-José de Frais et sa fille Zoya de Frias Lakhany du Restaurant Virunga, avec une cuisine de l'Afrique sub-saharienne ,mettant en avant les produits locaux du Québec c’est également le seul restaurant africain au Canada recommandé par le Guide MICHELIN en 2025 et 2026,  Lily Sirikittikul du Restaurant ChuChai qui a reçu la certification Thai SELECT, décernée par le gouvernement royal de Thaïlande pour l’authenticité de sa cuisine, elle propose une version réinventée de savoureux plats traditionnels en version végétarienne/végétalienne. Célébration d'inspiration française, Dîner en Blanc met à l'honneur les vins raffines et l’élegance du champagne. Les convives sont invités à apporter leurs propres bouteilles et boissons non alcoolisées.

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PHI

 

PHI Contemporain franchit une nouvelle étape avec le début des travaux Montréal, le 6 juillet 2026 PHI souligne aujourd’hui le lancement officiel des travaux de PHI Contemporain à l'occasion de la première pelletée de terre réunissant Mathieu Lacombe, ministre de la culture et des communications du gouvernement du Québec; Chantal Rouleau, ministre responsable de la solidarité sociale et de l’action communautaire et ministre responsable de la métropole et de la région de Montréal du gouvernement du Québec; Jacques Ramsay, député de La Prairie—Atateken et secrétaire parlementaire à la sécurité publique du gouvernement du Canada; Andréanne Moreau, responsable de la culture, du patrimoine, du design et de la langue française à la Ville de Montréal; Phoebe Greenberg, fondatrice et cheffe de la création de PHI; et Eric Albert, président-directeur général de PHI.  « Au cœur du Vieux Montréal, PHI Contemporain viendra redonner vie à des bâtiments patrimoniaux d’exception, témoins précieux de notre mémoire collective. En les restaurant et en les mettant en valeur, nous faisons bien plus que préserver des lieux : nous faisons vivre notre histoire, nous la rendons accessible et porteuse de sens pour les générations d’aujourd’hui et de demain. » Mathieu Lacombe, ministre de la culture et des communications du gouvernement du Québec « Montréal est une métropole reconnue pour sa créativité et son audace. Avec PHI Contemporain, nous nous donnons un nouvel espace d'exception où le patrimoine et la création contemporaine se rencontrent pour faire rayonner notre culture ici comme à l'international. En franchissant aujourd'hui cette nouvelle étape, notre gouvernement réaffirme sa volonté d'investir dans des projets porteurs qui renforcent l'attractivité de notre métropole, soutiennent nos artistes et enrichissent durablement la vie culturelle des Montréalaises, des Montréalais et de tous ceux qui visitent notre ville. » Chantal Rouleau, ministre responsable de la Solidarité sociale et de l'Action communautaire, ministre responsable de la Métropole et de la région de Montréal du gouvernement du Québec Cette étape marque le début de la réalisation de PHI Contemporain, un nouveau lieu qui proposera des expositions, des expériences immersives, des performances, des discussions et des espaces de rassemblement ouverts sur la ville. « Les meilleures idées naissent quand les gens se rassemblent. PHI Contemporain sera un lieu où l'art, la technologie et l'innovation se rencontrent pour inspirer, créer et rassembler les communautés. En investissant dans ce projet, nous donnons aux artistes les moyens d'innover, nous créons un espace ouvert à tous et nous faisons rayonner la créativité canadienne. C'est comme ça qu'on bâtit des communautés plus fortes et un Canada tourné vers l'avenir. » Marc Miller, ministre de l'Identité et de la Culture canadiennes et ministre responsable des Langues officielles du gouvernement du Canada La cérémonie s'est tenue en présence de plusieurs partenaires dont l'engagement permet aujourd'hui au projet d'entrer en phase de construction. «  Cette première pelletée de terre est une excellente nouvelle pour le rayonnement du Vieux-Montréal et pour toute la scène culturelle montréalaise. PHI Contemporain promet d’être un lieu unique où l’art pourra être découvert, partagé et vécu par toutes et tous. Bravo à toute l’équipe et aux partenaires qui donnent vie à ce grand projet. Il témoigne de toute l’énergie créative qui fait de Montréal une métropole culturelle reconnue. Et un immense merci à madame Phoebe Greenberg pour sa générosité exceptionnelle et son engagement envers les artistes au bénéfice des Montréalaises et Montréalais. » Soraya Martinez Ferrada, Mairesse de Montréal « Aujourd'hui, nous franchissons une étape importante dans la concrétisation d'une vision portée depuis plusieurs années. PHI Contemporain sera un lieu ouvert sur le monde, ancré à Montréal et dédié aux pratiques artistiques de notre époque ». Phoebe Greenberg, fondatrice et cheffe de la création, PHI Les travaux se poursuivront au cours des prochaines années en vue de l'ouverture de PHI Contemporain prévue en 2029. Remerciements Ce projet est financé en partie par le gouvernement du Canada ainsi que par le gouvernement du Québec.  Photo : Vivien Gaumand  (De gauche à droite) Jacques Ramsay, député de La Prairie—Atateken et secrétaire parlementaire à la sécurité publique du gouvernement du Canada; Andréanne Moreau, responsable de la culture, du patrimoine, du design et de la langue française à la Ville de Montréal; Phoebe Greenberg, fondatrice et cheffe de la création de PHI; Chantal Rouleau, ministre responsable de la solidarité sociale et de l’action communautaire et ministre responsable de la métropole et de la région de Montréal du gouvernement du Québec; Eric Albert, président-directeur général de PHI; Mathieu Lacombe, ministre de la culture et des communications du gouvernement du Québec.