Who Holds the Power? The 2026 US Midterms, Presidential Legitimacy and the Russia Question

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The 2026 US Midterm Elections: Political Power, Presidential Legitimacy and the Russia Question

Part One: The Midterms – A Challenge to the American Political Establishment

From a mundane astrology perspective, the November 2026 midterm elections appear to take place during a period of considerable political instability, public dissatisfaction and institutional uncertainty. The astrological picture suggests more than an ordinary contest between political parties. It points towards a struggle over the direction of the United States, the authority of its institutions and the future relationship between government and the American people.

The Sun quincunx Uranus highlights tensions between presidential authority and demands for change. Uranus traditionally represents rebellion, disruption and unexpected developments, suggesting that established political expectations may be challenged. The Last Quarter Moon in Cancer reinforces this symbolism, reflecting public concerns about domestic security, economic circumstances and national stability. Its opposition to Pluto suggests heightened public resentment and distrust of powerful institutions.

Particularly significant is the presence of the Sun and Mercury in the US 11th house, traditionally associated with Congress. This places legislative authority and the balance of congressional power at the centre of the election period.

The longer-term transits reinforce this picture. Saturn and Neptune in the US 4th house suggest a prolonged reassessment of America's foundations, national identity and domestic security. Meanwhile, Chiron square Pluto points towards unresolved historical grievances and struggles over institutional power.

The exact Saturn-Uranus sextile on 6 November, immediately after Election Day, is especially interesting. It suggests the possibility of political restructuring and institutional adjustment following the election. The midterms may therefore mark the beginning of a significant political realignment rather than the resolution of existing divisions.

Part Two: The Current President – Authority, Legitimacy and National Identity

The question of presidential legitimacy becomes particularly important when public perceptions of leadership turn towards accusations of disloyalty or betrayal.

Mundane astrology distinguishes between the personal popularity of a president and the perceived legitimacy of the presidency itself. These are not necessarily the same thing. A president may retain executive authority while facing growing questions about whether presidential decisions genuinely serve the national interest.

The progressed Moon approaching a square to Pluto is particularly significant in this context. The Moon represents the population and its collective emotional response, while Pluto represents concentrated power, control and institutional transformation. Their approaching square suggests mounting tension between public sentiment and established authority.

Other progressed positions add to the picture. The progressed Sun in the 7th house places international relationships and foreign powers at the forefront of America's national horoscope. Neptune on the Ascendant suggests uncertainty surrounding national identity and the country's international direction.

Meanwhile, the 8th-house emphasis, involving the progressed Moon and transiting Jupiter and Mars, draws attention to financial obligations, national debt, defence expenditure and the economic consequences of foreign policy.

The combination suggests that questions of presidential authority may become inseparable from wider concerns about national security, economic interests and America's place in the world.

Part Three: Russia – Foreign Policy and the Struggle for Congressional Authority

The developing relationship between the United States and Russia introduces an especially important dimension to the midterm picture.

In mundane astrology, the 7th house represents foreign nations, diplomatic relationships, treaties and traditional adversaries. The US 7th-house cusp is at 12°31′ Gemini, making Mercury its ruling planet.

On Election Day, Mercury will be retrograde at 12°53′ Scorpio in the US 11th house. This is a particularly revealing placement: the ruler of foreign relations occupies the house of Congress.

Mercury retrograde suggests reconsideration, renegotiation and the reopening of diplomatic questions. In Scorpio, these discussions may involve intelligence, sanctions, strategic interests, financial leverage and confidential negotiations.

Symbolically, this connects the administration's Russia policy directly with congressional scrutiny. It raises the possibility of disagreements over sanctions, Ukraine assistance, defence spending and America's traditional international commitments.

The progressed Sun in the 7th house strengthens this emphasis on foreign relations, while the progressed Moon approaching its square to Pluto suggests that questions of national power and security could become emotionally charged.

Taken together, these configurations suggest that the Russia question could become an important factor in the midterm elections, potentially exposing divisions not only between political parties but also within the president's own political coalition.

The central mundane astrological theme is a struggle over who determines America's future: the executive, Congress or the electorate. The 2026 midterms may consequently represent more than a change in congressional representation. They could become a defining moment in the debate over presidential legitimacy, national identity and America's relationship with its traditional allies and adversaries.

These interpretations describe astrological symbolism rather than established facts or deterministic predictions. Neither the planetary configurations nor public accusations establish legal wrongdoing or a particular electoral outcome.

Part Four: The Deeper Message – Navigating Political Uncertainty with Wisdom, Discernment and Strategic Intelligence

For those living through the 2026 US midterms, the most important message may be that political uncertainty should not be confused with the loss of personal or collective agency.

Periods of significant political transition have a way of testing not only institutions but also the judgement, emotional discipline and maturity of the people who live through them. When questions of presidential authority, national identity, foreign policy and institutional trust converge, the temptation is to react to every development as though it represents the decisive turning point. Yet history teaches us that political transformation is rarely a single event. It is a process, often unfolding through a succession of revelations, reversals, negotiations and consequences.

The astrological symbolism of this period suggests that the challenge is not simply to decide who holds political power, but to understand how that power is exercised, scrutinized and ultimately held accountable.

With Saturn and Neptune emphasizing questions surrounding America's foundations, there is an important distinction to be made between the preservation of an institution and the preservation of its original purpose. Institutions are not strengthened by unquestioning loyalty. They are strengthened by integrity, transparency, constitutional responsibility and the willingness to correct what no longer serves the public good.

For ordinary Americans, this is a moment to become more discerning rather than more fearful. Question information, but do not surrender to cynicism. Challenge political narratives, but do not allow every disagreement to become a personal war. Remain alert to developments without allowing the constant machinery of political outrage to consume your peace, your relationships or your capacity to think independently.

Mercury retrograde in Scorpio offers a particularly fitting symbolic reminder: not everything that is presented is the whole story, and not everything that is initially concealed will remain so. This is a period for examining evidence, revisiting assumptions and distinguishing between political theatre and matters of genuine national consequence.

The Russia question, in particular, calls for strategic intelligence rather than emotional reflex. International relationships are shaped by long-term interests, security considerations, diplomatic leverage and consequences that frequently extend beyond the political lifespan of any one administration. Americans would be wise to look beyond the immediate headlines and consider what decisions mean for the country's long-term credibility, alliances and security.

There is also a deeper lesson in the Saturn-Uranus symbolism. Meaningful change does not necessarily require the destruction of everything that came before. The most constructive transformations are those capable of combining innovation with responsibility, reform with stability, and independence with institutional maturity.

Perhaps the greatest danger in a politically polarized environment is allowing the struggle for power to determine the quality of our own thinking. A democracy depends not only on the people elected to represent it, but on the discernment of the people who elect them.

Do not outsource your judgement to a political personality, a party, a media outlet or an algorithm. Do not mistake confidence for competence, volume for truth or loyalty for integrity. And do not allow political allegiance to become more important than the principles it was supposed to defend.

The real measure of this period will not be found exclusively in the number of seats gained or lost in Congress. It will be found in what follows: how institutions respond, how political leaders exercise restraint, how constitutional responsibilities are upheld and whether the American public can recover a sense of shared civic purpose despite profound differences.

Ultimately, the invitation of this astrological period is to move from reaction to discernment, from division to perspective, and from political personality worship to a more mature understanding of power and responsibility.

Watch carefully. Think independently. Keep your principles intact. And remember that the future of a democracy is never exclusively in the hands of those who temporarily occupy positions of power. It also belongs to the people who refuse to surrender their intelligence, their integrity and their capacity to shape what comes next.

LENA GHIO   

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Images generated by Gemini

Dalí, grandeur nature : Montréal accueille un nouveau musée dédié au maître du surréalisme

Musée des Archives Salvador Dali (MASD)

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Avec l’ouverture annoncée en 2027 du Musée des archives de Salvador Dalí, le Vieux-Montréal s’apprête à accueillir bien davantage qu’un hommage à un maître du XXe siècle. Dans un édifice chargé d’histoire, une nouvelle institution entend faire dialoguer mémoire, science, technologie et création contemporaine, pour restituer au surréalisme sa puissance de transformation.

Il est des images qui survivent à leur propre légende. Les montres molles de Salvador Dalí en font partie : elles se répandent dans la mémoire collective avec une familiarité presque trompeuse, comme si leur présence avait épuisé le mystère dont elles procèdent. On reconnaît leur matière flasque, leur temps désarticulé, leur étrange abandon aux lois du rêve. Pourtant, derrière cette iconographie devenue universelle demeure une question autrement plus féconde : que nous apprend le surréalisme lorsque nous cessons de le considérer comme un répertoire de visions insolites pour y reconnaître une manière de penser le monde ? C’est autour de cette interrogation que se dessine l’ambition du Musée des archives de Salvador Dalí (MASD), dont l’installation au 357, rue de la Commune Ouest, dans le Vieux-Montréal, annonce une nouvelle étape dans la transmission de l’héritage dalinien.

Une Lorraine Pintal radieuse m'a raconté comment l'édifice du 357, rue de la Commune, sera un endroit idéal pour faire rayonner les archives du grand maître. Elle a ajouté que, malgré quelques transformations structurelles, celles-ci ne changeront pas l'esprit de l'édifice, qui est un souvenir de Daniel Langlois.

Dalí, né le 11 mai 1904 à Figueras, en Catalogne, a construit son œuvre sur une contradiction fondatrice : représenter l’impossible avec une précision presque maniaque. Sa peinture ne cherche pas tant à abolir le réel qu’à le rendre suspect. Un paysage familier devient le théâtre d’une inquiétude métaphysique ; un objet quotidien se charge d’une vie autonome ; la matière semble obéir à une logique intérieure, étrangère aux certitudes de la perception. Chez lui, le rêve n’est pas une échappatoire au monde, mais un instrument destiné à en révéler les fissures. Cette faculté de dérégler le regard explique la persistance de son œuvre, au-delà de sa célébrité et de la théâtralité dont il a fait une composante indissociable de sa personnalité publique.

L’enfance de Dalí, marquée par la mort de son frère aîné, lui aussi prénommé Salvador, constitue l’un des arrière-plans les plus troublants de cette identité artistique. Ses parents, incapables de se détacher du souvenir de leur premier fils, élevèrent le second dans une atmosphère où l’amour se mêlait à la comparaison et à l’absence. Dalí racontera avoir éprouvé le besoin de prouver qu’il était le frère vivant, distinct de celui dont il portait le nom. Il serait réducteur de ramener son œuvre à cette blessure originelle ; il serait tout aussi imprudent de l’en dissocier entièrement. Chez lui, l’identité apparaît moins comme une donnée stable que comme une construction à défendre, à déformer et à réinventer. La peinture devient alors un espace où l’inconscient, le désir et la mémoire peuvent se matérialiser sans devoir se soumettre à une explication définitive.

Sa formation à Madrid, ses rencontres avec Federico García Lorca et Luis Buñuel, puis son arrivée dans les milieux artistiques parisiens l’inscrivent dans une époque où les frontières de l’art sont activement contestées. En rejoignant le mouvement surréaliste à la fin des années 1920, Dalí trouve un terrain propice à son imagination, mais il ne tarde pas à imposer ses propres méthodes. Sa précision technique, son intérêt pour les mécanismes du rêve et sa volonté de donner une forme visible aux associations mentales font de lui une figure singulière du mouvement. La rencontre avec Gala, en 1929, ajoute à cette trajectoire une présence déterminante, à la fois affective, intellectuelle et artistique. Leur relation, devenue l’un des grands mythes de sa biographie, participe à la construction d’un univers où la vie privée elle-même se transforme en matière de création.

De gauche à droite: Lorraine Pintal,  Patricia Saputo et  Félix Bélanger

L’histoire de Dalí est aussi celle d’un artiste qui refuse de se laisser enfermer dans un seul médium. Peinture, sculpture, dessin, écriture, cinéma, scénographie, mobilier et joaillerie composent les ramifications d’une pratique qui cherche continuellement de nouveaux supports à l’imagination. Son séjour américain, de 1940 à 1948, consolide sa visibilité internationale ; sa rétrospective au Museum of Modern Art de New York, en 1941, témoigne déjà de son importance institutionnelle. Mais cette reconnaissance ne saurait résumer sa contribution. Dalí intéresse aujourd’hui moins par l’étendue de sa célébrité que par sa capacité à concevoir la création comme un système ouvert, dans lequel les disciplines se contaminent, les idées circulent et les méthodes se transforment. C’est précisément cette dimension que le MASD souhaite remettre au premier plan.

Le mot « archives », dans le nom du musée, mérite à cet égard une attention particulière. Une archive n’est ni un simple dépôt de reliques ni un sanctuaire réservé aux spécialistes. Elle conserve les traces d’une pensée en train de se former : dessins, lettres, livres, documents de travail, hésitations et recherches qui permettent de comprendre comment une œuvre advient. Pour Félix Bélanger, président-fondateur du MASD, ce sont justement les documents de Dalí, davantage que la seule familiarité avec ses tableaux, qui ont ouvert la voie à une rencontre intellectuelle avec l’artiste. Cette approche déplace le centre de gravité du musée. Au lieu de présenter uniquement le génie sous la forme achevée de ses chefs-d’œuvre, elle propose d’en examiner les rouages, les intuitions et les expérimentations. L’admiration cède ainsi une partie de sa place à l’enquête.

Cette orientation prend tout son sens dans le projet porté par Lorraine Pintal, directrice générale, qui envisage le MASD comme une institution où la rigueur de la conservation doit s’accompagner d’une véritable générosité envers les publics. Le musée entend faire coexister recherche, médiation, programmation et expériences innovantes, en réunissant artistes, scientifiques, chercheurs et visiteurs autour d’une même interrogation : comment apprendre à voir autrement ? Il ne s’agit pas de transformer Dalí en caution prestigieuse pour toute nouveauté technologique, mais de reconnaître dans sa démarche une disposition à l’expérimentation qui autorise des rapprochements inattendus. Le surréalisme retrouve alors sa fonction première : non pas fournir un style immédiatement identifiable, mais élargir le champ de ce qui peut être imaginé, formulé et créé.

Pour Salvador Dalí, la nourriture était bien plus qu'un plaisir des sens : elle constituait un véritable territoire d'expression artistique, indissociable de son imaginaire surréaliste. Entre fascination, désir et extravagance, la table devenait une scène où l'art se dégustait, où l'impossible prenait forme et où chaque création culinaire pouvait se transformer en une œuvre à part entière. En 1973, Dali publie Les Dîners de Gala. SOURCE Un dîner organisé par Dali

Pour souligner l'annonce de l'ouverture du MASD nous avons eu droit à des bouchées succulentes créer par BRIGADE VOLANTE traiteur. 

Montréal offre à cette ambition un contexte historique et culturel singulier. Dans les années 1940, les automatistes québécois, puis le manifeste Refus global de 1948, ont défendu une émancipation de la création et une ouverture aux forces de l’inconscient. Les automatistes ne se confondent pas avec Dalí, dont les méthodes et les orientations artistiques suivent une trajectoire distincte. Une parenté existe néanmoins dans leur volonté de contester les habitudes du regard et de libérer l’acte créateur des cadres imposés. À Montréal, cette proximité historique peut nourrir un dialogue plutôt qu’une assimilation : entre le surréalisme européen, les avant-gardes québécoises et les pratiques contemporaines, le musée a l’occasion de faire apparaître des correspondances sans effacer les différences. Dalí devient ainsi un point de départ, non un horizon indépassable.

Le bâtiment choisi ajoute une profondeur particulière à cette entreprise. Construit en 1875, l’ancien édifice des Commissaires du havre de Montréal a longtemps participé aux échanges entre l’Europe et l’Amérique du Nord avant de devenir un entrepôt, puis de tomber dans l’oubli. Acquis en 1996 par Daniel Langlois, pionnier du cinéma numérique et mécène des arts, il a fait l’objet d’un ambitieux projet de restauration et de réhabilitation confié à EVOQ. Les dégâts provoqués par un incendie au cours de la conception ont nécessité des mesures de stabilisation et des interventions structurelles importantes. Un ajout vitré, inspiré des serres de l’époque victorienne, a été pensé pour dialoguer avec l’architecture d’origine sans se confondre avec elle. La transformation du lieu témoigne ainsi d’une idée essentielle : préserver le patrimoine ne signifie pas immobiliser le passé, mais lui permettre d’accueillir de nouveaux usages sans perdre sa mémoire.

En 2001, l’édifice restauré avait déjà trouvé une vocation de rencontre entre les arts, les affaires et le numérique. Son installation progressive dans une nouvelle histoire culturelle se poursuit aujourd’hui avec le MASD, dont l’ouverture est prévue pour 2027. Cette continuité revêt une dimension humaine particulière. Daniel Langlois et son épouse, dont la disparition a profondément marqué le milieu culturel, demeurent associés à une conception généreuse du mécénat, attentive aux croisements entre création et technologie. La préservation du bâtiment devient dès lors plus qu’une opération architecturale : elle engage une responsabilité envers celles et ceux qui ont rendu possible sa renaissance. Comme le souligne Lorraine Pintal, les transformations doivent respecter les décors et l’esprit du lieu. L’innovation, ici, ne se mesure pas à l’effacement des traces, mais à la qualité du dialogue entre ce qui demeure et ce qui commence.

Reste la question décisive : que peut encore le surréalisme dans un monde où les images prolifèrent, où les technologies modifient notre rapport au visible et où l’étrangeté semble parfois devenue une marchandise ordinaire ? L’actualité de Dalí ne réside pas dans la reproduction de ses montres, de ses paysages désertiques ou de ses silhouettes métamorphosées. Elle tient plutôt dans son refus de considérer la réalité comme une évidence close. À l’heure où l’intelligence artificielle, les environnements immersifs et les nouveaux outils numériques déplacent les limites de la représentation, son héritage invite à distinguer la nouveauté technique de l’invention véritable. Une image surprenante ne suffit pas à produire une pensée ; encore faut-il qu’elle transforme notre manière de comprendre ce que nous voyons.

Le 357 de la Commune Ouest SOURCE / voir la reconstruction de l'édifice

Le défi du MASD sera donc de préserver sans pétrifier, d’interpréter sans simplifier et d’innover sans sacrifier la profondeur à l’effet. Ses ambitions éducatives, ses partenariats et son ouverture aux créateurs contemporains lui offrent la possibilité de devenir davantage qu’un musée consacré à une figure célèbre : un lieu de circulation entre les savoirs, les sensibilités et les générations. La réussite d’une telle institution se mesurera moins à sa capacité de confirmer ce que le public sait déjà de Dalí qu’à celle de susciter de nouvelles questions. Une archive bien vivante ne ferme pas le passé dans une vitrine ; elle lui rend son pouvoir d’interpellation.

Dalí est mort le 23 janvier 1989, après avoir vu s’achever une vie où l’art et la mise en scène de soi s’étaient constamment entrelacés. Pourtant, son œuvre demeure disponible pour d’autres lectures, d’autres usages et d’autres désobéissances intellectuelles. En s’installant dans un édifice qui a lui-même traversé plusieurs existences, le Musée des archives de Salvador Dalí propose une rencontre entre deux formes de persistance : celle d’un bâtiment qui se réinvente sans renier son histoire, et celle d’une imagination qui continue de déplacer les frontières du possible. Le véritable héritage du surréalisme n’est peut-être pas de nous apprendre à rêver davantage, mais de nous rappeler que le réel, même lorsqu’il paraît parfaitement ordonné, conserve des portes que nous n’avons pas encore songé à ouvrir.

LENA GHIO   

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The Only Living Pickpocket in New York by Noah Segan in theatres now

TRAILER

There is something quietly miraculous about a film that understands the pleasures of simply watching someone inhabit a life. In an age when cinema increasingly seems compelled to announce its importance, accelerate its rhythms, and explain its characters before we have had the opportunity to discover them, Noah Segan’s The Only Living Pickpocket in New York offers the rarer pleasure of observation. It is a film of unhurried intelligence, affectionate melancholy, and beautifully calibrated human detail, a modest New York story that gradually reveals itself to be about something considerably larger: the stubborn persistence of dignity in a world that has misplaced its manners, its memory, and perhaps even its capacity for tenderness. A deliciously accomplished piece of filmmaking, it brings together performance, atmosphere, music, humor, suspense, and emotional depth with an ease that makes the achievement seem almost effortless.

At the center of this small urban symphony is John Turturro, an actor whose extraordinary versatility has never entirely received the recognition it deserves. As Harry Lehman, an aging Bronx pickpocket, Turturro delivers a performance of such instinctive precision and unforced humanity that watching him becomes one of the film’s principal pleasures. He does not merely portray a man; he establishes an entire physical vocabulary for him. Consider the smallest gestures: the attention devoted to polishing his shoes, the particular care with which he adjusts his clothing, the watchfulness of his eyes as he prepares to step outside into the unpredictable theater of the New York streets. Nothing is ornamental. Every movement suggests a private history, an ingrained discipline, a philosophy of survival. Turturro understands that character is often most eloquently expressed in what a person does without thinking. His Harry possesses the elegance of a man who refuses to surrender his standards, even when the world around him has ceased to recognize them.

There is an almost choreographic quality to his movements through the city. Turturro makes us see New York not simply as a collection of recognizable locations but as a living organism whose rhythms must be studied, anticipated, and occasionally outmaneuvered. He observes the subway carriage, assesses the temperament of strangers, reads the subtle fluctuations of attention, and calculates his next movement with the concentration of a musician approaching a difficult passage. His profession may be criminal, but his technique has something of the artisan about it. Harry belongs to a disappearing generation of practitioners who believe that mastery consists in knowing precisely how to do something, and in taking quiet pride in doing it well. His occupation is anachronistic, almost absurdly so, yet Turturro never plays him as a museum piece. There is too much life, too much alertness, and too much vulnerability in his eyes.

Segan’s most inspired decision is to make this character study simultaneously a modest thriller. Harry’s predicament emerges when a seemingly routine theft brings him into contact with a young man whose connections prove considerably more dangerous than his appearance suggests. What begins as an ordinary transaction in the underground economy becomes an increasingly desperate race against time. Yet the suspense is never merely mechanical. The danger acquires its emotional force because we understand what Harry stands to lose. His wife, Rosie, whose disability has made her dependent upon his devotion, represents the fragile center around which his existence revolves. Harry may have spent a lifetime perfecting the art of taking things from others, but the film gradually reveals a man whose deepest impulse is to preserve what remains of his own world. The irony is beautifully affecting: a professional thief discovers that the one thing he cannot afford to lose is the life he has painstakingly assembled around another person.

The film’s supporting characters give this world its particular density. Steve Buscemi, as Ben, Harry’s longtime associate and proprietor of a pawnshop, brings his familiar acerbic intelligence to a relationship that feels lived-in rather than written. Their exchanges possess the relaxed intimacy of men who have accumulated decades of shared experience, including the comfortable irritations that only genuine friendship permits. Giancarlo Esposito’s Detective Warren is equally intriguing, inhabiting the uncertain territory between adversary, acquaintance, and fellow survivor. Their encounters suggest an entire history of mutual recognition, a tacit understanding that the city has room for complicated arrangements and that not every relationship can be reduced to the categories of law and transgression. Tatiana Maslany, meanwhile, brings a striking emotional immediacy to Harry’s estranged daughter, Kelly. Her presence introduces an ache that the film wisely refuses to over explain. The distance between father and daughter is palpable precisely because it is allowed to remain partially mysterious. Victoria Moroles also makes a welcome impression as Eve, whose affection for Harry offers another reminder that family is sometimes constituted less by blood than by the accumulated generosity of everyday life.

Indeed, one of the film’s most perceptive achievements is its understanding of the informal social architecture of New York. Beneath the familiar mythology of the metropolis as a place of ruthless competition lies another city, sustained by recognition, routine, favors, and fleeting acts of kindness. It is the city of people who know one another without necessarily knowing one another’s full names: shopkeepers, fellow commuters, neighborhood acquaintances, old friends, and strangers who become momentarily indispensable. Harry navigates this invisible network with the confidence of someone who understands that survival is rarely an entirely solitary enterprise. His journey across the boroughs becomes an encounter with the human geography of a city whose real character cannot be captured by its monuments or postcard views. Segan finds poetry in the overlooked, in the unglamorous streets and ordinary interiors that cinema too often treats as background. His New York is not a spectacle to be admired from a distance but a place to be experienced, negotiated, remembered, and occasionally forgiven.

There is, naturally, a considerable nostalgia at work here, but it is more sophisticated than a simple longing for an imagined golden age. Harry and his companions inhabit a world in which technological progress has rendered many of their established skills obsolete. Cash has disappeared, phones have become tracking devices, and the machinery of contemporary life seems designed to frustrate anyone whose expertise was developed in an earlier century. Their bewilderment provides some of the film’s funniest moments, particularly when the supposedly simple vocabulary of modern technology becomes an obstacle to men who have spent their lives mastering considerably more delicate operations. Yet the humor carries a melancholy undertow. What they mourn is not merely the disappearance of convenient opportunities for petty crime, but the erosion of a tactile relationship with the world. Their memories belong to a time when objects had weight, transactions involved human contact, and knowledge was acquired through experience rather than downloaded instantaneously. Segan recognizes the comic limitations of this outlook without dismissing its emotional truth.

The film’s visual and musical textures reinforce this sensibility with remarkable consistency. Sam Levy’s cinematography possesses an understated elegance, finding visual lyricism in the ordinary movement of urban life. The camera does not impose a grand mythology upon New York; it allows the city to disclose itself through its surfaces, passages, faces, and changing light. Gary Lionelli’s score, with its warmly nostalgic jazz-funk inflections, evokes the atmosphere of another cinematic era without becoming a mere exercise in retro decoration. The music seems to emerge from Harry’s own sensibility, as though the city were still playing the soundtrack to a life he has not quite finished living. The film’s musical choices deepen that emotional conversation, framing New York as both beloved companion and persistent disappointment. The city gives, takes away, exhausts, and renews. Loving it has never been a particularly rational undertaking.

This is acting!

What makes the film especially satisfying is the intelligence with which it balances its competing registers. Its humor never trivializes its sadness; its suspense never overwhelms its intimacy; its nostalgia never entirely obscures the present. Even as Harry’s predicament becomes increasingly perilous, the narrative retains a human scale, allowing encounters and small revelations to accumulate rather than forcing every emotion into an explanatory speech. The editing maintains a lively sense of movement, while the screenplay demonstrates a welcome confidence in what can remain unsaid. There is an understanding here that audiences do not need every emotional connection underlined. Sometimes a look, a hesitation, or the awkwardness of two people sharing a room communicates more than an entire monologue.

Ultimately, The Only Living Pickpocket in New York is a film about the dignity of persistence, the complicated obligations of love, and the peculiar grace of people who continue to practice their craft after the world has moved on. Harry may be a thief, but he is also a caretaker, a father, a friend, and a man attempting, in his imperfect fashion, to reconcile the person he has been with the person he might still become. Turturro gives this contradiction an extraordinarily touching human face. His performance contains mischief and weariness, calculation and generosity, an almost boyish pleasure in professional accomplishment alongside the unmistakable sorrow of someone who has outlived several versions of himself.

There is something deeply moving about a film that asks us to accompany such a man through the city without insisting that he become a hero. Segan grants him something more valuable: the freedom to remain complicated, flawed, funny, and profoundly human. By the time the story reaches its conclusion, the suspense has given way to a gentler recognition of what truly matters, and New York itself seems transformed into a repository of memories, regrets, unexpected kindnesses, and second chances. The film leaves us with the sensation of having spent time in the company of people rather than fictional constructions, and with the faintly bittersweet realization that cities, like individuals, are most beautiful when viewed through the eyes of someone who knows their imperfections intimately. In the end, Harry may be the last of his kind, but his particular art has little to do with stealing. It consists in noticing what others overlook, holding on to what time threatens to take away, and discovering, somewhere amid the noise and indifference of the metropolis, that the heart can still be surprised into generosity. It is a lovely film, and an unexpectedly generous one.

LENA GHIO   

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CINEMANIA (4 au 15 novembre, 2026) dévoile une 32e édition foisonnante, entre grandes signatures du cinéma francophone et nouvelles voix de la création

Festival de films CINEMANIA

 

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Du 4 au 15 novembre 2026, le Festival de films CINEMANIA investira Montréal avec 138 films, 16 séries et 173 invités internationaux. Pour sa 32e édition, le rendez-vous incontournable du cinéma francophone élargit encore ses horizons, avec la Belgique comme pays à l’honneur, la Martinique à l’honneur régional et le lancement des Journées de la série francophone.

Le Festival de films CINEMANIA a dévoilé la programmation complète de sa 32e édition, qui se tiendra à Montréal du 4 au 15 novembre 2026. Avec 138 films, 16 séries et la présence annoncée de 173 invités internationaux, cette nouvelle édition promet une célébration ambitieuse de la création audiovisuelle francophone, réunissant cinéastes, comédiens, producteurs et passionnés autour d’œuvres singulières et de rencontres privilégiées. Plus de la moitié des séances seront accompagnées par des artistes ou des membres des équipes créatives, confirmant la volonté du festival de favoriser le dialogue entre les œuvres et le public.

Grande nouveauté cette année, les Journées de la série francophone feront leur entrée du 2 au 15 novembre, en prélude aux festivités cinématographiques. Cette initiative, consacrée à un secteur en pleine effervescence, réunira 16 séries québécoises, canadiennes et internationales au fil de 12 séances, ainsi que des rencontres avec plusieurs figures de l’industrie. La programmation sera déployée dans différents lieux culturels montréalais, dont le Monument-National, le Cinéma du Musée, la Cinémathèque québécoise, le Cinéma Beaubien, le Théâtre Outremont et la Place des Arts.

Deux films phares pour ouvrir et refermer le festival

Le coup d’envoi sera donné le mercredi 4 novembre au Monument-National avec PARADIS, premier long métrage de Jérémy Comte, réalisateur notamment connu pour son court métrage Fauve. Présenté en première mondiale à la Berlinale en février dernier, le film met en parallèle les trajectoires de deux adolescents, Kojo, au Ghana, et Tony, au Québec, confrontés à des questionnements familiaux et identitaires. Porté par Joey Boivin-Desmeules, Daniel Atsu Hukporti et Evelyne de la Chenelière, ce récit intime ouvrira la compétition Films du Québec en présence de l’équipe du film.

La clôture aura lieu le samedi 14 novembre avec DE LA COMÉDIE-FRANÇAISE, premier long métrage de Bertrand Usclat et Martin Darondeau, récompensé au Festival de l’Alpe d’Huez. Pauline Clément, Laurent Stocker et Julien Frison y incarnent des versions décalées d’eux-mêmes dans les coulisses d’une représentation théâtrale menacée par une succession d’imprévus. L’actrice principale et scénariste Pauline Clément accompagnera cette soirée de clôture, présentée en association avec Air Canada.

VILLENEUVE : L’ASCENSION D’UNE LÉGENDE

Autre rendez-vous majeur, le gala du lundi 9 novembre mettra en lumière VILLENEUVE : L’ASCENSION D’UNE LÉGENDE, réalisé par Yan Lanouette Turgeon et scénarisé par Daniel Roby et Guillaume Lonergan. Rémi Goulet prête ses traits à Gilles Villeneuve dans ce récit consacré aux débuts du pilote québécois et à son ambition de conquérir le monde de la course automobile. Présentée par Crave et coprésentée avec le Festival de cinéma international en Abitibi-Témiscamingue, la projection se déroulera au Théâtre Maisonneuve de la Place des Arts en présence de l’équipe.

Parmi les autres galas, VIGILANTE, d’Olivier Pairoux, abordera les dérives d’un justicier numérique dans un thriller porté par Eddy de Pretto, tandis que LES RAYONS ET LES OMBRES, de Xavier Giannoli, proposera une plongée dans les ambiguïtés de la collaboration pendant la Seconde Guerre mondiale, avec Jean Dujardin.

DANS GAZA

Une programmation ouverte sur le monde

La compétition internationale Visages de la Francophonie réunira dix longs métrages explorant les réalités politiques, sociales et humaines de différents territoires. Parmi les œuvres sélectionnées figurent À VOIX BASSE de Leyla Bouzid, CONGO BOY de Rafiki Fariala, MARIE-MADELEINE de Gessica Généus et UNE FEMME D’AUJOURD’HUI de Robert Guédiguian. Plusieurs cinéastes accompagneront leur film, donnant au public l’occasion de prolonger les projections par des échanges.

La compétition Films du Québec présentera huit longs métrages, dont PARADIS, VILLENEUVE : L’ASCENSION D’UNE LÉGENDE, CINQUIÈME ACTE d’Ayana O’Shun, IDLING de Théodore Ushev et LABRADOR – AUTOPSIE DU SILENCE de Rodrigue Jean. La sélection documentaire, composée de dix films, abordera notamment la guerre à Gaza dans DANS GAZA, les théories conspirationnistes dans DE SOUCHE, le vieillissement dans VIVRE ENCORE et le dialogue entre musique et nature dans LA BALEINE ET LE MUSICIEN.

Les cinéphiles retrouveront également plusieurs sections thématiques consacrées aux œuvres incontournables de l’année, aux premiers films et aux nouveaux talents, aux grands destins et à la comédie. Parmi les titres attendus figurent LES BRAVES de Lukas Dhont, MÉMOIRE DE FILLE de Judith Godrèche, CHANGER L’EAU DES FLEURS de Jean-Pierre Jeunet et NI VUE, NI CONNUE de Marc Fitoussi. Le jeune public ne sera pas en reste grâce à la section Un vent de jeunesse, qui proposera notamment les films d’animation IN WAVES, JULIÁN et CARMEN, L’OISEAU REBELLE.

IN WAVES

La Belgique et la Martinique à l’honneur

Après la Suisse, la France et le Maroc, CINEMANIA consacrera cette année son volet international à la Belgique francophone. Dix-sept longs métrages de fiction, quatre courts métrages, trois documentaires et une série témoigneront de la diversité d’un cinéma reconnu pour son regard social, son humour et son ouverture aux coproductions internationales. Parmi les œuvres présentées figurent LE FAUX SOIR, LES BARONNES, LES BRAVES et HEYSEL 85. Une importante délégation belge est attendue à Montréal, notamment Son Excellence Élisabeth Degryse, ministre-présidente de la Fédération Wallonie-Bruxelles et de la Communauté française de Belgique.

La Martinique bénéficiera également d’une place privilégiée avec un panorama de six films, dont les documentaires CHALVET, LA CONQUÊTE DE LA DIGNITÉ de Camille Mauduech et AU PIED DU MUR de Lucie Margueritte et Stève Siracuse. Une séance de courts métrages intitulée Récits martiniquais au format court complétera ce regard sur une cinématographie encore trop peu exposée. CINEMANIA Pro accueillera par ailleurs des discussions sur les tournages, la coproduction et la circulation des œuvres dans la Caraïbe francophone.

Des rencontres exceptionnelles et un hommage aux artistes

Au-delà des projections, le festival multipliera les événements spéciaux. Thierry Frémaux, délégué général du Festival de Cannes et directeur de l’Institut Lumière, commentera une sélection de films restaurés des frères Lumière le 10 novembre au Monument-National. Jean-Pierre Jeunet fera l’objet d’une rétrospective comprenant LA CITÉ DES ENFANTS PERDUS et LE FABULEUX DESTIN D’AMÉLIE POULAIN, accompagnée d’une classe de maître le 5 novembre à la Cinémathèque québécoise.

Le festival présentera aussi SCHTROUMPFMANIA, une exposition gratuite consacrée à Peyo et à ses célèbres personnages, ainsi qu’un ciné-concert autour du documentaire EUROPE : LA BATAILLE DES SIÈGES. Une rencontre réunissant Jean Dujardin et Marc Labrèche autour de la comédie au cinéma figure également parmi les temps forts.

Côté distinctions, le CINEMANIA d’honneur 2026 sera remis au comédien québécois Théodore Pellerin, tandis que Sandrine Kiberlain recevra le Prix du rayonnement artistique. Les compétitions seront évaluées par des jurys réunissant des personnalités du cinéma québécois et international, parmi lesquelles Karin Viard et Marc Labrèche, coprésidents du jury Visages de la Francophonie.

Enfin, CINEMANIA Pro reviendra pour une cinquième édition, du 9 au 13 novembre, afin de favoriser les échanges entre professionnels, cinéastes émergents et passionnés. Les deux grandes soirées consacrées aux courts métrages, les 6 et 12 novembre, compléteront cette programmation foisonnante.

Avec cette 32e édition, CINEMANIA confirme sa place de carrefour essentiel du cinéma francophone, où les œuvres dialoguent avec les cultures, les générations et les réalités du monde. Pendant près de deux semaines, Montréal deviendra ainsi un lieu privilégié de découverte, de réflexion et de célébration du septième art.

INFOS CINEMANIA

LENA GHIO   

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