CETTE SEMAINE À MONTRÉAL • juillet 5 - juillet 7

Vincent Jutras (La Croustade), Stéphanie Duchesneau (Cirque Pointe-Sèche), Elyme Gilbert (Cirque Pointe-Sèche), Nadia Drouin (En Piste), Melissa Colello (Cirque Pointe-Sèche), Stephanie Friesinger (Cirque Pointe-Sèche), Honorine Youmbissi (CALQ) et Nathalie Maillé (CAM).

 

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Le cirque québécois célèbre ses créateurs sous les projecteurs du 5@Cirque

Dans l'effervescence de MONTRÉAL COMPLÈTEMENT CiRQUE, le 5@Cirque d'En Piste a une fois de plus offert un précieux moment de rassemblement au milieu circassien québécois. Le 5 juillet dernier, artistes, diffuseurs, partenaires et représentants des grandes institutions culturelles se sont réunis pour célébrer celles et ceux qui repoussent les frontières du cirque contemporain. Deux créations marquantes ont été couronnées lors de cette soirée : La Soirée de la Confiture – Édition Suc' à Crème Deluxe, de La Croustade, et Sortilège, du Cirque de la Pointe-Sèche.

Le prix Propulsion 2026, remis conjointement par En Piste et le Conseil des arts de Montréal (CAM), est allé à La Croustade, sous la direction artistique de Vincent Jutras, pour une œuvre qui fait éclater les conventions du spectacle circassien. Plus qu'une représentation, La Soirée de la Confiture est une expérience collective où improvisation, humour, prise de risque et liberté créative deviennent les moteurs de la rencontre entre les artistes et le public.

Présentée dans l'ancienne église Saint-Enfant-Jésus de Pointe-aux-Trembles, cette édition « Suc' à Crème Deluxe » transformait le lieu en vaste terrain de jeu. Le public déambulait d'un espace à l'autre, découvrant des numéros qui naissaient sous ses yeux : contorsionnistes évoluant entre des tréteaux, clowns guidés par les applaudissements des spectateurs, acrobates rivalisant d'ingéniosité ou jongleurs soumis au vote populaire. Une proposition joyeusement imprévisible qui a séduit le jury par son esprit rassembleur et son désir assumé de faire du cirque un espace de recherche, de dialogue et d'expérimentation.

Autre temps fort de la soirée, le Prix du CALQ – Meilleure œuvre circassienne a été attribué au Cirque de la Pointe-Sèche pour Sortilège, une création mise en scène par Mélissa Colello qui s'impose déjà comme une référence du cirque de création québécois.

Inspirée librement de Macbeth, l'œuvre prend vie dans un amphithéâtre naturel de Saint-Germain-de-Kamouraska, où une spectaculaire paroi rocheuse de près de 17 mètres devient un partenaire de jeu à part entière. Entre danse verticale, cadre coréen, balançoire russe, roue Cyr, corde lisse et impressionnantes séquences réalisées sur filet acrobatique, Sortilège compose un univers où la nature, la scénographie et les disciplines circassiennes fusionnent dans une fresque visuelle d'une grande puissance.

Le jury du CALQ a salué une œuvre immersive dont la richesse des images, la maîtrise technique et l'utilisation ingénieuse de l'environnement créent ce qu'il qualifie de « beau chaos », à la fois spectaculaire et profondément poétique. Présenté devant plus de 12 000 spectateurs lors de sa première saison, le spectacle confirme le rôle du Cirque de la Pointe-Sèche comme acteur incontournable du développement du cirque en région.

La remise des prix s'est déroulée en présence de Nathalie Maillé, directrice générale du CAM, d'Honorine Youmbissi, directrice du soutien aux artistes, aux communautés et à l'action régionale au CALQ, ainsi que de Nadia Drouin, directrice générale d'En Piste. Étaient également réunis Vincent Jutras, Stéphanie Duchesneau, Elyme Gilbert, Mélissa Colello et Stephanie Friesinger, tous artisans de cette vitalité artistique qui fait aujourd'hui rayonner le cirque québécois bien au-delà de ses frontières.

Au-delà des bourses et des distinctions, cette soirée a rappelé que le cirque contemporain est un formidable laboratoire de création. Entre l'audace ludique de La Croustade et la force évocatrice de Sortilège, le Québec démontre une fois de plus que son cirque est en constante évolution, porté par des artistes qui réinventent les formes, investissent des lieux inattendus et invitent le public à vivre des expériences aussi humaines que spectaculaires.

Au parc Jean-Drapeau, l'été prend un nouveau goût

Une buvette est un petit commerce ou comptoir où l'on sert principalement des boissons et des repas légers.

Chaque été, Montréal redécouvre le parc Jean-Drapeau sous un nouveau visage. Cette saison, c'est au cœur des Jardins des Floralies que bat désormais son pouls estival avec l'arrivée de la Buvette des Floralies, un espace gourmand et culturel qui transforme une simple halte en véritable expérience de destination.

Imaginée en collaboration avec Aire Commune et exploitée par Les Survenants, cette nouvelle adresse s'inscrit parfaitement dans l'évolution du parc, qui mise de plus en plus sur les rencontres, la gastronomie et les expériences en plein air. Dès les premiers rayons de soleil, la vaste terrasse de 200 places invite les visiteurs à ralentir le rythme, à lever leur verre et à savourer l'été dans un décor verdoyant.

Aux commandes de l'offre culinaire, le chef Francis Duval propose une carte pensée pour les beaux jours : tapas à partager, sandwiches gourmands, planches de charcuteries et de fromages, desserts et rafraîchissements composent un menu convivial qui célèbre les plaisirs simples. Pour ceux qui préfèrent prolonger leur escapade au cœur des jardins, des paniers pique-nique soigneusement préparés permettent de s'installer à l'ombre des impressionnantes Mosaïcultures ou en bordure des canaux de l'île Notre-Dame, où kayaks et pédalos offrent une autre façon d'explorer le site.

Mais la Buvette ne se limite pas à sa table. Tout au long de la saison, elle devient une scène ouverte où la culture s'invite chaque semaine. Les Beaux dimanches proposeront une programmation évolutive mêlant prestations musicales, ateliers créatifs et marchés d'artisans. L'objectif est clair : faire de ce nouvel espace un lieu vivant où l'on vient autant pour l'ambiance que pour le paysage.

Cette effervescence trouve un écho naturel dans les Jardins des Floralies, dont les œuvres horticoles monumentales continuent de séduire les visiteurs. Après avoir attiré plus de 600 000 personnes l'été dernier, les célèbres Mosaïcultures offrent toujours un parcours spectaculaire où l'art végétal devient prétexte à la contemplation et à la réflexion. Ici, chaque promenade se transforme en exposition à ciel ouvert.

L'été ne s'arrête toutefois pas aux Floralies. Plus loin, le mont Boullé dévoile lui aussi un visage renouvelé. Entièrement revitalisé, ce secteur nature invite à emprunter ses sentiers boisés, à traverser les passerelles qui surplombent les étangs de la Grande Poudrière ou à gravir les 157 marches de la Tour de Lévis. Au sommet, une vue panoramique sur le fleuve, le centre-ville et les montagnes de la Montérégie récompense largement l'effort, particulièrement au coucher du soleil grâce aux heures d'ouverture prolongées.

Les amateurs de détente trouveront également leur bonheur grâce aux nombreuses aires de pique-nique, aux espaces BBQ et aux nouveaux lieux de repos qui ponctuent le parcours. Quant aux soirées estivales, elles retrouveront un incontournable avec le retour du Cinéma flottant au Complexe aquatique, où les projections prennent une toute autre dimension au bord de l'eau.

La saison se prolongera enfin en septembre avec une nouvelle formule des Rendez-vous Gourmands. Réparti sur plusieurs fins de semaine thématiques, l'événement réunira des chefs de renom, dont Paul Toussaint et Yohann Van Den Berg, confirmant la volonté du parc de devenir une véritable vitrine de la créativité culinaire montréalaise.

Alors que Montréal souligne cette année le 50e anniversaire des Jeux olympiques de 1976, le parc Jean-Drapeau démontre qu'il sait conjuguer son riche héritage à une vision résolument contemporaine. Entre nature, gastronomie, culture et activités de plein air, il s'impose plus que jamais comme l'une des destinations incontournables de l'été montréalais.

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Photos © Lena Ghio, 2026

LENA GHIO   

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DÎNER en BLANC Montréal 28 août 2026

DÎNER en BLANC

Dîner en Blanc est de retour à Montréal le 28 août Les billets de la phase 3 sont en vente dès aujourd'hui à 15 h pour la 16e édition de l'événement le plus élégant de l'été

Montréal, jeudi 9 juillet 2026 — Le 28 août, à la tombée du jour, plus de 3 000 convives vêtus de blanc convergeront vers un lieu que nul ne connaîtra avant la dernière minute Cette édition du Dîner en Blanc permettra à nouveau de vivre une soiree où élégance, gastronomie, art de vivre et convivialité se cotoyeront chaleureusement. L'édition 2026 puise son inspiration dans une soirée parisienne de la Belle Époque : une atmosphère de fête parisienne du début du siècle dernier, où la musique et le spectacle circulent parmi les convives plutôt que de s'imposer depuis une scène unique. Les billets de la phase 3, réservés aux membres de la liste des fans, (pas encore membres) sont mis en vente aujourd'hui à 15 h. Les personnes qui souhaitent encore s’inscrire peuvent le faire via le site montreal.dinerenblanc.com. Les billets sont vendus par paire et attribués selon le principe du premier arrivé, premier servi. « Après avoir célébré en grand notre 15e anniversaire l'an dernier, nous sommes ravis de retrouver les Montréalaises et les Montréalais pour une 16e édition qui promet d'être tout aussi magique. Nous avons hâte d'accueillir des milliers de convives pour leur faire vivre une soirée inoubliable et continuer à faire rayonner Montréal à travers ce concept unique deja célébré dans plus de 120 villes à travers le monde », souligne Sandy Safi, présidente, Dîner en Blanc International.

La règle est connue : tout est blanc, des tenues jusqu'aux nappes. Ce ballet collectif, auquel chacun consent, produit l'image devenue signature de l'événement — un dîner surgi de nulle part au cœur de la ville, le temps d'une soirée. Le lieu, lui, demeure secret. Les invités se rassemblent à des points de départ désignés, avant d'être guidés vers le site par des bénévoles. Au terme de la soirée, ils repartent sans laisser de trace : l'endroit retrouve l'état exact dans lequel il a été trouvé. Chaque convive apporte sa table, ses chaises, une nappe, serviettes et des decorations de couleur blanches, ainsi qu'un panier gastronomique accompagné de verrerie et de vaisselle raffiné. Ceux qui préfèrent voyager léger peuvent choisir un point de départ où tables et chaises sont fournies, et réservez en ligne un panier traiteur.

Les femmes cheffes à l’honneur Cette année, nous avons décidé de mettre en lumière trois cheffes montréalaises : Magie Marier du Restaurant Ratafia, avec un parcours de plus de 15 années d'expérience et sa formation initiale en pâtisserie, elle propose une cuisine ancrée dans la saisonnalité et le terroir québécois, elle a également été Finaliste de la 14e saison des Chefs.  Maria-José de Frais et sa fille Zoya de Frias Lakhany du Restaurant Virunga, avec une cuisine de l'Afrique sub-saharienne ,mettant en avant les produits locaux du Québec c’est également le seul restaurant africain au Canada recommandé par le Guide MICHELIN en 2025 et 2026,  Lily Sirikittikul du Restaurant ChuChai qui a reçu la certification Thai SELECT, décernée par le gouvernement royal de Thaïlande pour l’authenticité de sa cuisine, elle propose une version réinventée de savoureux plats traditionnels en version végétarienne/végétalienne. Célébration d'inspiration française, Dîner en Blanc met à l'honneur les vins raffines et l’élegance du champagne. Les convives sont invités à apporter leurs propres bouteilles et boissons non alcoolisées.

Pour être au courant des annonces concernant l’événement, visiter montreal.dinerenblanc.comou Facebook DinerEnBlanc.Montreal ou Instagram dinerenblancmontreal.

PHI

 

PHI Contemporain franchit une nouvelle étape avec le début des travaux Montréal, le 6 juillet 2026 PHI souligne aujourd’hui le lancement officiel des travaux de PHI Contemporain à l'occasion de la première pelletée de terre réunissant Mathieu Lacombe, ministre de la culture et des communications du gouvernement du Québec; Chantal Rouleau, ministre responsable de la solidarité sociale et de l’action communautaire et ministre responsable de la métropole et de la région de Montréal du gouvernement du Québec; Jacques Ramsay, député de La Prairie—Atateken et secrétaire parlementaire à la sécurité publique du gouvernement du Canada; Andréanne Moreau, responsable de la culture, du patrimoine, du design et de la langue française à la Ville de Montréal; Phoebe Greenberg, fondatrice et cheffe de la création de PHI; et Eric Albert, président-directeur général de PHI.  « Au cœur du Vieux Montréal, PHI Contemporain viendra redonner vie à des bâtiments patrimoniaux d’exception, témoins précieux de notre mémoire collective. En les restaurant et en les mettant en valeur, nous faisons bien plus que préserver des lieux : nous faisons vivre notre histoire, nous la rendons accessible et porteuse de sens pour les générations d’aujourd’hui et de demain. » Mathieu Lacombe, ministre de la culture et des communications du gouvernement du Québec « Montréal est une métropole reconnue pour sa créativité et son audace. Avec PHI Contemporain, nous nous donnons un nouvel espace d'exception où le patrimoine et la création contemporaine se rencontrent pour faire rayonner notre culture ici comme à l'international. En franchissant aujourd'hui cette nouvelle étape, notre gouvernement réaffirme sa volonté d'investir dans des projets porteurs qui renforcent l'attractivité de notre métropole, soutiennent nos artistes et enrichissent durablement la vie culturelle des Montréalaises, des Montréalais et de tous ceux qui visitent notre ville. » Chantal Rouleau, ministre responsable de la Solidarité sociale et de l'Action communautaire, ministre responsable de la Métropole et de la région de Montréal du gouvernement du Québec Cette étape marque le début de la réalisation de PHI Contemporain, un nouveau lieu qui proposera des expositions, des expériences immersives, des performances, des discussions et des espaces de rassemblement ouverts sur la ville. « Les meilleures idées naissent quand les gens se rassemblent. PHI Contemporain sera un lieu où l'art, la technologie et l'innovation se rencontrent pour inspirer, créer et rassembler les communautés. En investissant dans ce projet, nous donnons aux artistes les moyens d'innover, nous créons un espace ouvert à tous et nous faisons rayonner la créativité canadienne. C'est comme ça qu'on bâtit des communautés plus fortes et un Canada tourné vers l'avenir. » Marc Miller, ministre de l'Identité et de la Culture canadiennes et ministre responsable des Langues officielles du gouvernement du Canada La cérémonie s'est tenue en présence de plusieurs partenaires dont l'engagement permet aujourd'hui au projet d'entrer en phase de construction. «  Cette première pelletée de terre est une excellente nouvelle pour le rayonnement du Vieux-Montréal et pour toute la scène culturelle montréalaise. PHI Contemporain promet d’être un lieu unique où l’art pourra être découvert, partagé et vécu par toutes et tous. Bravo à toute l’équipe et aux partenaires qui donnent vie à ce grand projet. Il témoigne de toute l’énergie créative qui fait de Montréal une métropole culturelle reconnue. Et un immense merci à madame Phoebe Greenberg pour sa générosité exceptionnelle et son engagement envers les artistes au bénéfice des Montréalaises et Montréalais. » Soraya Martinez Ferrada, Mairesse de Montréal « Aujourd'hui, nous franchissons une étape importante dans la concrétisation d'une vision portée depuis plusieurs années. PHI Contemporain sera un lieu ouvert sur le monde, ancré à Montréal et dédié aux pratiques artistiques de notre époque ». Phoebe Greenberg, fondatrice et cheffe de la création, PHI Les travaux se poursuivront au cours des prochaines années en vue de l'ouverture de PHI Contemporain prévue en 2029. Remerciements Ce projet est financé en partie par le gouvernement du Canada ainsi que par le gouvernement du Québec.  Photo : Vivien Gaumand  (De gauche à droite) Jacques Ramsay, député de La Prairie—Atateken et secrétaire parlementaire à la sécurité publique du gouvernement du Canada; Andréanne Moreau, responsable de la culture, du patrimoine, du design et de la langue française à la Ville de Montréal; Phoebe Greenberg, fondatrice et cheffe de la création de PHI; Chantal Rouleau, ministre responsable de la solidarité sociale et de l’action communautaire et ministre responsable de la métropole et de la région de Montréal du gouvernement du Québec; Eric Albert, président-directeur général de PHI; Mathieu Lacombe, ministre de la culture et des communications du gouvernement du Québec.

BODYVERSE : quand la science nous invite à tomber amoureux autrement • OASIS IMMERSION

Denys Lavigne, d’OASIS immersion, et David Bardos et Frédéric Sanz, du studio barcelonais Univrse

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Et si l’amour n’était pas seulement une affaire de poésie, de regards échangés et de battements de cœur accélérés? Et si derrière chaque coup de foudre se cachait une mécanique fascinante, orchestrée par des milliards de cellules, de neurones et de molécules invisibles? C’est précisément ce que propose BODYVERSE, la toute nouvelle expérience immersive présentée en première mondiale à OASIS Immersion, au Palais des congrès de Montréal.

À première vue, l’idée semble presque sortie d’un roman de science-fiction : rétrécir jusqu’à devenir minuscule, pénétrer à l’intérieur du corps humain et observer, de l’intérieur, les réactions biologiques qui accompagnent l’une des expériences les plus universelles de l’existence humaine : tomber amoureux. Pourtant, BODYVERSE réussit un pari délicat. Celui de marier la rigueur scientifique à l’émerveillement, sans jamais sacrifier l’émotion au profit de l’explication.

Depuis son ouverture en 2021, OASIS Immersion s’est imposé comme une référence en matière d’expériences immersives grand format. Avec cette douzième exposition en cinq ans, l’organisation franchit toutefois une étape importante. Pour la première fois, elle intègre la réalité virtuelle en déambulation libre à son parcours, grâce à une collaboration avec le studio barcelonais Univrse-XRoam, reconnu internationalement pour ses expériences multijoueurs innovantes.

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Le résultat est une aventure multisensorielle qui brouille habilement les frontières entre musée, spectacle, laboratoire scientifique et récit interactif. Dès les premiers instants, le visiteur comprend qu’il ne sera pas un simple spectateur. BODYVERSE nous transforme en explorateurs du vivant. Le parcours, d’une durée d’environ une heure, est divisé en quatre séquences complémentaires qui permettent de mieux comprendre les mécanismes biologiques de l’amour et du corps humain.

La première salle agit comme une porte d’entrée vers cet univers invisible. Pendant une quinzaine de minutes, les visiteurs découvrent les célèbres hormones associées aux émotions amoureuses. Dopamine, ocytocine, sérotonine : ces mots souvent entendus prennent soudainement une forme concrète. L’approche est ludique, accessible et suffisamment vulgarisée pour séduire les curieux sans perdre les amateurs de science.

Cette introduction rappelle une vérité souvent oubliée : derrière les grandes déclarations romantiques se cache une véritable symphonie chimique. Lorsque l’on tombe amoureux, le cerveau devient un laboratoire en pleine effervescence. Nos perceptions changent, notre attention se focalise, notre mémoire s’active différemment. Le sentiment amoureux, aussi mystérieux soit-il, possède des racines profondément biologiques.

Puis vient le moment le plus attendu du parcours. Casque de réalité virtuelle sur la tête, le visiteur plonge dans « La première étincelle », une expérience d’environ vingt minutes qui constitue le cœur de BODYVERSE. L’histoire suit Élise et Léo, deux amis d’enfance qui se retrouvent après plusieurs années. À travers leur rencontre, les visiteurs assistent aux mécanismes invisibles de l’attirance. Rapidement, la magie opère : nous rapetissons jusqu’à pénétrer dans le corps humain.

Ce changement d’échelle est spectaculaire. On voyage dans les voies respiratoires, on observe les réactions du cerveau, on suit la circulation des signaux nerveux. Les visiteurs peuvent interagir avec leur environnement, manipuler certains éléments et participer activement à l’expérience plutôt que de simplement la regarder.

L’une des grandes réussites de BODYVERSE réside dans sa capacité à rendre tangible ce qui demeure habituellement abstrait. Les neurones s’illuminent comme des constellations. Les hormones deviennent presque palpables. Les mécanismes de l’attraction prennent la forme de paysages organiques fascinants.

On découvre notamment que l’odorat joue un rôle beaucoup plus important qu’on pourrait le croire dans nos préférences affectives. Certains chercheurs avancent même que nous sommes naturellement attirés par des personnes dont le système immunitaire diffère du nôtre. Une information surprenante qui rappelle que nos choix les plus intimes sont parfois influencés par des processus inconscients.

La technologie employée contribue largement à cette impression de réalisme. Grâce à la capture volumétrique, les personnages possèdent une présence saisissante. Le visiteur ne regarde plus des avatars numériques : il a réellement l’impression d’être aux côtés de personnes vivantes. Comme toute expérience de réalité virtuelle, certaines personnes plus sensibles pourraient ressentir un léger inconfort. Toutefois, la fluidité des déplacements et la qualité technique de l’ensemble témoignent du savoir-faire développé par Univrse au fil de millions de visiteurs accueillis dans différents lieux à travers le monde.

Après cette plongée spectaculaire dans l’intimité du corps humain, le parcours se poursuit avec « L’impulsion du moment ». Cette immense salle immersive abandonne le casque de réalité virtuelle pour miser sur la puissance des projections monumentales. Assis ou debout au cœur d’un vaste espace, les visiteurs sont entourés d’images en mouvement qui envahissent les murs et le sol.

Le sujet change légèrement : il ne s’agit plus seulement de l’amour, mais du mouvement lui-même. À travers des représentations de neurones, de muscles, de vaisseaux sanguins et de corps en action, l’expérience révèle l’extraordinaire coordination nécessaire à chacun de nos gestes. Marcher, courir, tendre la main ou simplement respirer deviennent soudainement des miracles biologiques.

L’approche demeure profondément sensorielle. Les images, les sons et les rythmes se combinent pour créer une expérience presque méditative. Ici encore, la science se met au service de l’émerveillement. À une époque où les conversations sont souvent dominées par l’intelligence artificielle, les technologies émergentes et les mondes virtuels, BODYVERSE choisit paradoxalement de ramener notre attention vers quelque chose de beaucoup plus fondamental : le corps humain lui-même.

Cette décision n’a rien d’anodin. Nous passons notre vie entière à habiter notre corps sans réellement comprendre ce qui s’y déroule. Nous ressentons les émotions sans toujours connaître les mécanismes qui les produisent. Nous tombons amoureux sans percevoir les milliers de réactions biologiques qui accompagnent ce bouleversement intérieur.

BODYVERSE agit alors comme une invitation à renouer avec cette part invisible de notre existence. Le parcours se conclut dans une zone plus légère et interactive où les visiteurs peuvent tester leurs connaissances, prolonger leur réflexion et conserver un souvenir de l’expérience. Une transition douce vers le retour à la réalité.

Ce qui distingue véritablement BODYVERSE, c’est sa capacité à faire cohabiter plusieurs niveaux de lecture. Les amateurs de technologie y trouveront une démonstration impressionnante des possibilités offertes par la réalité virtuelle. Les passionnés de sciences apprécieront la qualité de la vulgarisation. Les visiteurs en quête d’émotions seront touchés par le récit humain qui traverse l’ensemble du parcours.

Mais surtout, chacun en ressort avec un regard légèrement différent sur lui-même. Comprendre l’amour ne le rend pas moins magique. Bien au contraire. Découvrir les réactions biologiques qui se cachent derrière un regard complice ou un premier baiser ne détruit pas le mystère; cela ajoute une nouvelle couche de fascination.

BODYVERSE nous rappelle finalement que la science et l’émotion ne sont pas des univers opposés. Elles racontent simplement la même histoire sous deux angles différents. Et lorsqu’elles se rencontrent avec autant d’intelligence et de sensibilité, le voyage devient inoubliable.

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MONTRÉAL COMPLÈTEMENT CIRQUE C'est parti!!!!

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La Chute des Anges : le poids de la liberté

Nous vivons à une époque fascinée par l'efficacité. Les algorithmes anticipent nos désirs, les applications mesurent nos performances, les plateformes optimisent nos déplacements, notre sommeil, nos relations. Nous avons appris à admirer les systèmes qui fonctionnent sans friction, où chaque geste trouve sa place dans une mécanique plus vaste. À force de rechercher la fluidité, nous avons peut-être oublié qu'une vie humaine n'est jamais parfaitement fluide. Elle trébuche. Elle hésite. Elle résiste.

C'est précisément de cette résistance que parle La Chute des Anges, le spectacle de Raphaëlle Boitel. Ou plutôt : c'est ainsi qu'il résonne aujourd'hui. Car Boitel n'énonce jamais un manifeste. Elle ne désigne ni coupable ni solution. Elle construit un monde, puis nous laisse l'habiter.

Dès les premières minutes, quelque chose d'inquiétant s'installe. Le plateau ressemble moins à une scène qu'à une usine dont on aurait retiré les murs. Les interprètes évoluent sous une lumière froide, comme si le soleil avait cessé d'être une donnée naturelle pour devenir un privilège. Ils avancent selon une cadence qui ne leur appartient plus. Les corps travaillent, exécutent, répètent. Aucun personnage n'est véritablement présenté ; aucune intrigue ne vient nous guider. Pourtant, tout est immédiatement compréhensible. Nous avons déjà vu ce monde.

Il est dans les romans de Kafka, dans les films de Fritz Lang, dans les chorégraphies industrielles de Charlie Chaplin. Il est aussi dans les open spaces contemporains, dans les entrepôts automatisés, dans les flux numériques qui organisent silencieusement nos journées. Ce n'est pas un futur imaginaire. C'est un présent légèrement déplacé, suffisamment éloigné pour devenir visible.

Beaucoup de spectacles sur notre époque tombent dans le piège de l'explication. Ils veulent convaincre avant de toucher. Ils accumulent les références, les slogans, les démonstrations. La Chute des Anges fait exactement l'inverse. Elle fait confiance à ce que le corps peut raconter lorsqu'on cesse de lui demander de commenter.

Voilà sans doute ce qui distingue profondément Raphaëlle Boitel de nombreux créateurs de cirque contemporain. Chez elle, la virtuosité n'est jamais un sujet. Elle est une condition d'existence. Le public n'applaudit pas une difficulté technique ; il observe une émotion prendre une forme physique.

Une ascension sur un mât n'est pas une performance verticale. C'est une tentative d'échapper à un monde qui attire constamment les êtres vers le bas. Une chute n'est pas un accident spectaculaire. C'est une vérité. Une suspension n'est pas un effet. C'est l'image fragile de ce que pourrait être la liberté.

Cette transformation est essentielle, car elle modifie notre manière même de regarder le cirque. Habituellement, nous attendons le moment où le risque deviendra visible. Nous savons qu'un exploit approche et nous retenons notre souffle jusqu'à son accomplissement. Ici, cette logique disparaît. Les disciplines — voltige, contorsion, mât chinois, équilibres, travail aérien — cessent d'exister comme des numéros autonomes. Elles deviennent les verbes d'une même phrase.

Boitel possède une qualité rare : elle comprend que le mouvement peut produire de la pensée.

Cette intelligence de la mise en scène ne vient évidemment pas de nulle part. Formée très jeune à l'École Fratellini, passée par l'univers poétique de James Thierrée, elle appartient à cette lignée d'artistes qui considèrent le cirque comme un art dramatique à part entière. Pourtant, évoquer son parcours ne suffit pas à expliquer ce qui se produit ici. Beaucoup maîtrisent les techniques du cirque contemporain ; peu savent construire un imaginaire qui paraît aussi cohérent.

Chaque élément semble répondre à un autre. La lumière ne se contente pas d'éclairer : elle surveille. Le décor ne représente pas un lieu : il impose un rapport de force. La musique d'Arthur Bison ne souligne jamais les émotions ; elle circule sous elles comme une nappe souterraine.

Même le silence possède une architecture.

L'impression qui domine est presque cinématographique. Non parce que Boitel cherche à imiter le cinéma, mais parce qu'elle compose ses tableaux avec une précision qui rappelle les grands cinéastes de l'image : Tarkovski pour le temps suspendu, Kubrick pour la géométrie, Terry Gilliam pour les machines absurdes, peut-être même Pina Bausch pour cette manière de transformer les corps en paysages émotionnels.

Ces influences existent, mais elles ne pèsent jamais sur le spectacle. Elles sont digérées jusqu'à devenir une langue propre.

Ce qui rend La Chute des Anges particulièrement troublant, c'est que son propos semble gagner en actualité au fil des années. Lors de sa création, le spectacle évoquait déjà les mécanismes du contrôle. Aujourd'hui, à l'heure où l'intelligence artificielle organise une part croissante de nos décisions, où les plateformes orientent nos comportements avec une efficacité invisible, certaines images acquièrent une puissance presque involontaire. Les personnages ne sont pas dominés par une dictature spectaculaire. Ils sont gouvernés par l'habitude. Et c'est probablement la forme de domination la plus difficile à reconnaître. 

Le spectacle ne condamne pourtant jamais la technologie. Il ne rêve pas d'un impossible retour à une innocence perdue. Ce qui l'intéresse est plus subtil : que reste-t-il de l'humain lorsque chaque geste tend vers l'optimisation ? Que devient l'imprévu dans un monde qui valorise la prévisibilité ? Où survit la poésie lorsqu'une machine peut accomplir chaque tâche avec davantage de précision ? Boitel répond par le corps. Parce qu'un corps tombe. Parce qu'il tremble. Parce qu'il échoue. Parce qu'il recommence.

Parce qu'aucune machine ne sait encore transformer une hésitation en émotion.

Et c'est peut-être là que réside la véritable dimension politique du spectacle. Non dans son discours, mais dans sa confiance obstinée envers la fragilité humaine. Dans une culture qui célèbre la maîtrise, La Chute des Anges rappelle que nos imperfections constituent peut-être notre dernière liberté. 

Les interprètes portent admirablement cette idée. Ils incarnent moins des individus que différentes façons d'habiter le monde. Leurs visages changent peu ; leurs corps disent tout. Ils passent de la rigidité mécanique à une souplesse presque animale avec une précision qui ne relève jamais de la démonstration. On oublie rapidement la difficulté des gestes pour ne voir que leur nécessité dramatique.

Lorsque les lumières s'éteignent, aucun message ne s'impose. Ce qui demeure est plus difficile à nommer : quelques images persistantes, une sensation physique, le souvenir d'un souffle retenu. Une échelle qui semble monter vers un ciel fermé. Une silhouette suspendue dans un faisceau de lumière. Une main qui refuse de suivre le mouvement collectif.

Les grandes œuvres laissent rarement des réponses. Elles déplacent légèrement notre manière de regarder le monde. En quittant la salle, on réalise que le véritable sujet de La Chute des Anges n'était peut-être ni la dystopie, ni les machines, ni même le cirque. Il était ce moment presque imperceptible où un être décide de ne plus obéir à la gravité qui lui est imposée. Dans cet infime écart se logent la poésie, la liberté et, peut-être, la possibilité même d'un avenir.

Voilà ce que Raphaëlle Boitel accomplit avec une élégance remarquable. Elle ne cherche pas à prouver que le cirque est un art majeur. Elle agit comme si cette évidence n'avait plus besoin d'être défendue. Et à la fin de La Chute des Anges, il devient difficile de penser autrement.

À la TOHU jusqu'au 5 juillet!

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Minions & Monsters now in theatres

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Minions & Monsters – A Surprisingly Affectionate Love Letter to Cinema That Nearly Loses Itself in Spectacle

For nearly two decades, the Minions have occupied an unusual position in popular culture. Few animated creations have inspired such equal measures of delight and disdain. To admirers, they are irresistible agents of comic chaos, heirs to the tradition of silent-era slapstick clowns. To detractors, they represent the commercialization of contemporary animation—viral mascots whose endless merchandising and nonsensical babble embody an increasingly disposable entertainment culture. Minions & Monsters, the seventh film in Illumination's sprawling franchise and the third centered primarily on the yellow mischief-makers, confronts that contradiction more directly than anyone might expect.

Directed solely by franchise co-creator Pierre Coffin, the film emerges not simply as another episodic adventure but as an unexpectedly thoughtful meditation on why these peculiar little creatures have endured. Instead of apologizing for the Minions' ubiquity, Coffin reframes them as descendants of cinema's earliest entertainers, arguing that beneath the gibberish, pratfalls, and relentless energy lies a surprisingly pure expression of what movies have always been: movement, laughter, invention, and communal joy.

That ambition announces itself immediately. Beginning with a playful rewind through Universal's logo history before settling in a museum devoted to Hollywood's past, Minions & Monsters establishes an unusually cine-literate framework. A cheerful studio guide introduces a group of children to an alternate history in which the Minions have quietly participated in the birth of filmmaking itself. It is an audacious premise, but one the film embraces with infectious confidence rather than smug self-congratulation.

The story soon shifts to late-1920s Hollywood, where three Minions—dreamer James, loyal companion Henry, and the endearingly understated Deaf Minion Ed—arrive after yet another disastrous attempt to serve history's greatest villains. Their accidental arrival at the Bright Brothers' movie studio transforms them from failed henchmen into unlikely silent-film sensations, launching the film's strongest and most inspired stretch.

Here, Coffin demonstrates remarkable affection for cinema's foundational years. Rather than merely referencing classic films, he absorbs their visual language. The comedy unfolds through elaborate physical choreography reminiscent of Charlie Chaplin, Buster Keaton, Harold Lloyd and early cartoon animation. Entire sequences function almost without dialogue, relying instead upon rhythm, timing, expressive movement, and visual escalation. Even viewers unfamiliar with silent cinema will instinctively recognize the elegance behind the chaos.

The film's Hollywood recreations are consistently delightful. Minions wander through the gears of Modern Times, stumble into elaborate western productions, and inadvertently participate in lovingly staged recreations of iconic moments from early film history. These homages never feel like empty exercises in nostalgia or cynical references designed solely for adults. Instead, they reinforce the film's central argument: today's animated slapstick exists because generations of filmmakers spent decades refining the language of visual comedy.

That generosity toward film history distinguishes Minions & Monsters from most contemporary franchise entertainment. While countless family films rely upon pop-culture references and self-aware irony, Coffin displays genuine admiration for the pioneers who shaped the medium. The film functions almost as an accessible gateway into silent cinema, inviting younger audiences to discover artists whose influence still reverberates through modern animation.

Perhaps most unexpectedly, Coffin also succeeds in giving the Minions emotional texture without fundamentally altering who they are. James is portrayed not merely as an enthusiastic fool but as an artist driven by impossible ambition. Henry serves as his emotional counterweight, offering steadfast encouragement even as James's dreams begin eclipsing his friendships. Their relationship carries an understated tenderness that quietly expands the emotional vocabulary of the franchise without becoming sentimental.

This new emotional dimension also allows the film to examine artistic aspiration itself. James dreams not simply of serving villains but of making movies that matter. His desire to create a spectacular monster picture becomes an affectionate metaphor for filmmaking—messy, collaborative, occasionally egotistical, but fueled by imagination rather than commerce. It is an unexpectedly sophisticated idea nestled within a broadly comic children's film.

Unfortunately, the narrative cannot entirely sustain the elegance of its first half.

Once James discovers an ancient spell book and summons the diminutive Cthulhu-like creature Goomi in hopes of producing Hollywood's greatest monster movie, Minions & Monsters gradually abandons its disciplined focus. Simultaneously, another group of Minions finds itself working for Dort, an insecure alien robot with dreams of planetary conquest and an improbable romantic interest in a suffragette. Jesse Eisenberg lends Dort his trademark anxious verbosity, producing several genuinely amusing moments, while Zoey Deutch brings warmth to a role that might otherwise have functioned as little more than a punchline.

Yet these parallel storylines rarely complement one another. Instead, they fracture the narrative momentum the film has so carefully established. The satire of Old Hollywood gives way to a sprawling fantasy adventure involving magical creatures, giant orange monsters, extraterrestrial ambitions, and social commentary that feels only loosely connected to the themes that initially made the film so distinctive.

The climax, featuring a city-destroying gelatinous monster rampaging across Hollywood, certainly delivers visual spectacle. The animation remains dazzling throughout, overflowing with saturated colors, expressive creature design, and meticulously choreographed mayhem. Every frame bursts with imaginative energy, and Illumination's technical polish has rarely looked stronger.

Yet scale gradually replaces intimacy. The carefully observed affection for cinema history that animated the first hour becomes overwhelmed by familiar franchise obligations: increasingly elaborate action sequences, escalating stakes, and noisy climactic destruction. One occasionally senses the film struggling against the commercial expectations surrounding blockbuster family entertainment.

Still, Coffin deserves considerable credit for recovering his thematic footing before the credits roll. Rather than ending solely with triumphant heroics, Minions & Monsters circles back to its central meditation on artistic creation. Beneath the explosions, monsters, and slapstick lies a reaffirmation of cinema itself—not merely as an industry, but as a collective act of imagination shared between storytellers and audiences.

That conclusion gives retrospective meaning to much of what preceded it. The Minions cease to function simply as mascots or merchandising machines. They become symbols of cinema's oldest impulses: performers who communicate through movement more than language, whose comedy transcends national borders, whose resilience allows them to survive changing technologies, changing audiences, and changing tastes.

The film's subversive humor contributes significantly to this achievement. While children will undoubtedly laugh at exploding gadgets, pratfalls, and Minion gibberish, adults will recognize sly observations about studio executives, artistic compromise, technological disruption, and Hollywood's relentless appetite for commercial reinvention. These jokes never become cynical; instead, they acknowledge the industry's contradictions with surprising warmth.

Minions & Monsters is hardly flawless. Its second half sprawls where its opening movements glide effortlessly, and several supporting characters disappear almost as quickly as they arrive. One cannot escape the feeling that a leaner, more disciplined screenplay might have produced something genuinely extraordinary rather than merely very good.

Yet even with those imperfections, this is comfortably the franchise's richest and most cohesive installment. It demonstrates a confidence absent from earlier entries, replacing frantic randomness with genuine thematic purpose while retaining the anarchic spirit that first made the Minions cultural phenomena. More importantly, it recognizes that beneath their babbling absurdity lies a direct lineage stretching back to the birth of cinema itself.

In an era increasingly dominated by intellectual property engineered for maximum market saturation, Minions & Monsters delivers something unexpectedly sincere: a blockbuster that celebrates not simply its own franchise, but the enduring magic of movies. It reminds audiences young and old that before cinema became content, branding, or algorithmic entertainment, it was simply images in motion making strangers laugh together in the dark. Few family films aspire to such a generous idea. Even fewer achieve it with this much exuberance.

LENA GHIO   

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